LICHT!

Transzendenz ins Magische – Licht als Klang, Schatten und spirituelle Resonanz

Sargasso kündigt mit großer Freude die Veröffentlichung von LICHT! an, einer eindringlichen und tief reflektierten neuen Einspielung der Cellistin Christina Meißner, die die visionären Gesänge Hildegard von Bingens (1098–1179) in einen Dialog mit einer neu entstandenen Tetralogie des zeitgenössischen Komponisten John Palmer bringt.

Nach ihrer vielbeachteten Veröffentlichung ISPARIZ. eine Vision setzt Meißner ihre Auseinandersetzung mit Hildegards Klangkosmos fort und eröffnet neue Verbindungen zwischen mittelalterlicher Spiritualität und zeitgenössischer Musiksprache. Das Ergebnis ist ein immersives Hörerlebnis, das die Intensität einer Live-Aufführung widerspiegelt, in der die Zeit stillzustehen scheint und Klang zum Raum der Begegnung wird.

Im Zentrum dieses Projekts steht ein gemeinsamer spiritueller Impuls, der Jahrhunderte überbrückt: die Suche nach Erleuchtung, nach innerem und äußerem Licht und nach Sinn jenseits der Unmittelbarkeit des Alltags. Hildegards ekstatische, visionäre Melodien begegnen Palmers unverwechselbarer Klangwelt und formen einen Transformationszyklus, in dem Licht als Metapher, als Material und als gelebte Erfahrung erscheint.Meißners einzigartiger Ansatz hebt die traditionelle Hierarchie zwischen Stimme und Instrument auf. In ihren Bearbeitungen von Hildegards Gesängen werden Cello und Stimme zu gleichwertigen, ineinander verwobenen Klanggestalten: Atem, Resonanz und Geste entfalten sich in einem gemeinsamen klanglichen Raum. Subtile zeitliche Verschiebungen und eine feine Sensibilität für Klangfarbe schaffen eine lebendige, organische Textur, in der Klang fortwährend neu bestimmt wird.

Als Rahmen dieser Neuimaginationsprozesse erkunden John Palmers Lux Vivens, Lux Ardens, Lux Obscura und Lux Serena, eigens für Meißner komponiert, das Licht als Bedingung von Wahrnehmung und Verwandlung. Jedes Werk entfaltet einen eigenen klanglichen und spirituellen Zustand, inspiriert von Hildegards Visionen: von strahlendem Hervortreten über brennende Intensität bis hin zu verschatteter Tiefe und fragiler Gelassenheit. Unter Einbeziehung erweiterter Spieltechniken und in enger künstlerischer Zusammenarbeit mit der Cellistin entwickelt sich Palmers Musik zu einem Prisma aus Licht und Resonanz, in dem Klang sowohl als physische Präsenz als auch als metaphysische Reflexion erfahrbar wird.

Die Aufnahme durchläuft Zyklen von Erhellung und Verdunkelung, von Erscheinung und Auflösung. Licht ist hier nicht bloß Helligkeit, sondern eine Schwelle, untrennbar verbunden mit Schatten, mit Ungewissheit und mit dem Unbekannten. In diesem Wechselspiel wird LICHT! nicht zur Darstellung von Licht, sondern zu einer Einladung, dessen Entfaltung zu erleben: als Schwingung, als Energie und als gemeinsamer Akt des Hörens.

Barbara Stühlmeyer

Mit LICHT! ist der Cellistin Christina Meißner eine Aufnahme von seltener Intensität gelungen – ein Album, das nicht einfach gehört, sondern durchschritten wird wie ein spiritueller Raum aus Klang, Atem, Schatten und innerem Leuchten. Gemeinsam mit dem zeitgenössischen Komponisten John Palmer eröffnet sie einen Dialog über die Jahrhunderte hinweg, in dessen Zentrum die Visionen Hildegard von Bingens stehen: Visionen von Licht, Verwandlung, Trost und Transzendenz. Schon die ersten Töne von Cum erubuerint ziehen den Hörer in einen Zustand schwebender Wachheit hinein. Meißners Stimme legt sich wie ein zarter Schatten über den warm leuchtenden Celloklang, bis beide Ebenen nicht mehr voneinander zu unterscheiden sind. Hier entsteht etwas Außergewöhnliches: Klang wird nicht bloß interpretiert, sondern verwandelt sich in einen Ort der Begegnung zwischen Mittelalter und Gegenwart, Körper und Geist, Sichtbarem und Unsichtbarem. Die Größe dieser Einspielung liegt gerade darin, dass sie sich jeder bloßen Gegenüberstellung von alter und neuer Musik entzieht. Palmers Lux-Tetralogie – Lux Vivens, Lux Ardens, Lux Obscura und Lux Serena – wirkt nicht wie ein Kommentar zu Hildegard, sondern wie eine Fortsetzung ihres visionären Denkens mit den Mitteln heutiger Klangsprache. Die Musik tastet sich an Grenzbereiche der Wahrnehmung heran: flirrende Mikrointervalle, eruptive Klanggesten, dunkle Resonanzen und fragile Ruhepunkte bilden ein Prisma aus Licht und Schatten. Dabei entfaltet jede Komposition ihren eigenen spirituellen Zustand – vom strahlenden Aufbruch über brennende Intensität bis hin zu jenem geheimnisvollen Dunkel, in dem Licht erst seine eigentliche Tiefe gewinnt. Besonders beeindruckend ist, wie organisch Christina Meißner beide Welten miteinander verbindet. Ihr Spiel besitzt eine beinahe physische Ausdruckskraft und zugleich eine große Innigkeit. Die erweiterten Spieltechniken wirken niemals experimentell um ihrer selbst willen; vielmehr scheinen sie aus dem Innersten der Musik hervorzuwachsen. Jeder Ton trägt Bedeutung, jede Geste wird zum Ausdruck existenzieller Suche. Dass Meißner zugleich singt und spielt, hebt die gewohnte Trennung zwischen Stimme und Instrument auf. Das Cello beginnt zu atmen, die Stimme beginnt zu schwingen wie ein weiteres Saitenregister – eine faszinierende Einheit aus Klang und Resonanz. Dabei entwickelt LICHT! eine erstaunliche emotionale Spannweite. In Lux Ardens lodern Klangblitze durch die Dunkelheit wie innere Feuer der Ekstase oder Verzweiflung. Lux Obscura führt in Regionen des Geräuschhaften und Abgründigen, wo sich Licht nur noch als Erinnerung oder Ahnung zeigt. Umso berührender wirken dann Hildegards Gesänge, deren melodische Schlichtheit wie ein warmer Gegenpol erscheint – nicht naiv, sondern von tiefer menschlicher Erfahrung getragen. Und schließlich öffnet Lux Serena einen Raum fragiler Gelassenheit: keine triumphierende Erlösung, sondern ein tastendes, stilles Weitergehen ins Offene. Die Aufnahme besitzt dabei eine beinahe liturgische Atmosphäre. Die Kirchenräume von Bethel-Bielefeld und Stuttgart werden selbst zu Resonanzkörpern dieser Musik. Man hört nicht nur Töne, sondern Räume, Nachhall, Stille – jene kostbaren Zwischenräume, in denen sich das Unsagbare andeutet. LICHT! ist weit mehr als ein Konzeptalbum über Licht. Es ist eine Meditation über die menschliche Sehnsucht nach Sinn, Trost und innerer Verwandlung in einer zerrissenen Welt. Christina Meißner und John Palmer gelingt das seltene Kunststück, Musik zugleich hochreflektiert und zutiefst unmittelbar erfahrbar zu machen. Diese Aufnahme führt nicht aus der Realität hinaus, sondern lässt sie in neuem Licht erscheinen – geheimnisvoller, verletzlicher und zugleich hoffnungsvoller. So bleibt am Ende nicht das Gefühl eines abgeschlossenen Werkes, sondern einer geöffneten Tür: hinein in einen Klangraum, in dem Licht und Schatten, Vergangenheit und Gegenwart, Spiritualität und Gegenwartskunst auf magische Weise eins werden.

Wo bin ich?

Musik aus dem minimalen Raum

Sargasso freut sich sehr, die Veröffentlichung von Wo bin ich? bekanntzugeben, einer akusmatischen Arbeit von außergewöhnlicher Konzentration der Cellistin und Komponistin Christina Meißner, entstanden während des COVID-19-Lockdowns als Auftragswerk für den Deutschlandfunk. Ausgangspunkt ist ein Essay von Bruno Latour, der die Frage „Wo bin ich?“ nicht als Distanz zur Welt, sondern als radikale Nähe versteht, als aufmerksames Hinhören auf das unmittelbar Gegebene.

Diese Perspektive überträgt Meißner auf ihr Instrument durch eine strenge physische Beschränkung: einen Spielraum von einem Zentimeter. Innerhalb dieses minimalen Bereichs entstehen aus mikroskopischen Bogenbewegungen, feinsten Druckveränderungen und kaum wahrnehmbaren Kontaktverschiebungen dichte und unvorhersehbare Klangkonstellationen. Die Klänge treten nicht als expressive Gesten auf, sondern als autonome Partikel, die Isolation nicht erzählen, sondern als klangliche Spur tragen.

Als international profilierte Interpretin zeitgenössischer Musik und enge Partnerin zahlreicher Komponistinnen und Komponisten legt Christina Meißner hier ihre erste großformatige eigene Komposition vor. Sie begreift das Cello zugleich als Instrument und Forschungsraum, als Ort konzentrierten Hörens. Fragmentierte Spuren einer Stimme erscheinen lediglich als Klangmaterial und erweitern den akusmatischen Raum ohne narrative Funktion. Der Titel formuliert keine Aussage, sondern markiert eine Hörhaltung. Was aus äußerster Begrenzung entsteht, entfaltet sich im Hören zu Resonanz und räumlicher Weite und erinnert daran, dass selbst der kleinste Raum ein ganzes Universum enthalten kann.

MusikTexte 166 – August 2020, 93

Max Nyffeler

Beckmesser’s Choice
Ausgewählte Scheiben neuer Musik

Huldigung an Hildegard
Die CDs der Weimarer Cellistin Christina Meißner zeichnen sich durch eine originelle, oft thematisch gebundene Werkauswahl aus. 2008 standen Bach, Elliott Carter und Artur Schnabel neben Arrangements von mittelalterlichen Troubadourgesängen. Und auch ihre neueste, in einem Kirchenraum aufgenommene CD-Produktion blickt nun auf das zwölfte Jahrhundert zurück. Unter dem Titel „Ispariz“ („Geist“) vereinigt sie sechs Kompositionen, die sich alle in irgendeiner Weise auf Hildegard beziehen und mit Originalmelodien der komponierenden Heiligen abwechseln. Wobei das Wort „original“ mit Vorsicht zu genießen ist; die Wissenschaft ist geteilter Meinung über die Echtheit vieler ihr zugeschriebener Stücke. Aber sei’s drum. Wie die Cellistin mit diesen Vorlagen umgeht, verrät eine große Souveränität in der Gestaltung der Linie. Sie führt einen lebendigen Dialog mit dem Raum. Konzentriert horcht sie den Klängen nach, die sich schwebend, im ruhigen Rhythmus des Atems, im Raum ausbreiten. Eine meditative, entspannte Atmosphäre prägt auch die Interpretation der neuen Stücke. Sie stammen von Sofia Gubaidulina, Esaias Järnegard, Martin Rane Bauck, Joseph Andrew Lake und Lisa Streich. Letztere ist gleich mit zwei Werken vertreten. Sie und die Cellistin sind offensichtlich Geistesverwandte, denn die Stücke der drei Männer kamen auf Streichs Empfehlung in dieses Doppelalbum.
ISPARIZ – eine Vision, Christina Meißner, Violoncello, Altenburg: Querstand, 2020.

FonoForum November 2020

Dirk Wieschollek

Nachrichten aus dem Inneren
Neuerscheinungen zeitgenössischer Musik zwischen Kontemplation und Experiment

Die Weimarer Cellistin Christina Meißner bringt mit schöner Regelmäßigkeit alte und neue Musik in beziehungsreich kreierten Solo-Programmen zusammen. Ihre aktuelle Auseinandersetzung mit Hildegard von Bingen verkörpert gleich in doppelter Weise einen Gegenentwurf zur momentanen Reizüberflutung in Leben und Kunst: Meißner hat zum einen Gesänge der komponierenden Universalgelehrten atmosphärisch gewinnbringend für ihr Instrument eingerichtet. Diese bilden dann in „Ispariz“ („Geist“ in Bingens „Lingua Ignota“) die spirituelle Basis für kontemplative Auftragswerke. Die tauchen tief in die Klangformung ab, ohne dabei in Stereotypen „unkonventioneller“ Artikulation zu verfallen. Der schwedische Komponist Esaias Järnegard verbindet in „à Sibyl – Mone“ (2019) Augenblicke musikalischer Ekstase mit schamanischem Einsatz der Stimme zu einem quasi archaischen Klangritual. Die schon dort elementaren Gesten an den Rändern der Wahrnehmbarkeit werden auf die Spitze der Dünnhäutigkeit getrieben in Martin Rane Baucks „The air from afar“ (2018). Auch Lisa Streich ist bekannt für ihre spirituell inspirierten Klangdramaturgien: „FLEISCH“ (2017) widmet sich mit harten perkussiven „Nagel“-Schlägen, schreienden Eruptionen und fiebrigen Obertongeweben der Kreuzigung als Schmerzzustand, an dessen Ende in fahlen Dissonanzen die Entrückung steht. Ein Werden und Vergehen brüchiger Oberton-Klanginseln bestimmt auch „I am a clock“ (2018) von Joseph Andrew Lake, ein Ein- und Ausatmen von Klang in völliger Entzeitlichung, das minimalistischer kaum denkbar ist. Über allem aber schwebt der visionäre Geist der Lobgesänge Hildegard von Bingens, Einladungen zur Kontemplation, deren zerbrechliche Mischwesen aus Ton- und Geräuschklang Christina Meißner so intensiv und zugleich mikroskopisch ausdifferenziert spielt, dass man jede einzelne Faser der „Materie“ Cello zu hören glaubt.

Karfunkel 142

Barbara Stühlmeyer

In Dir singt und spielt der Heilige Geist
Neue Zugänge zu Hildegard

Ispariz ist ein Wort aus der Lingua ignota, der unbekannten Sprache Hildegards von Bingen, der sechste in der Reihe jener Begriffe, die Hildegard, die auf so vielfältige Weise Lichtnetzwerke aus Worten und Tönen wob, kreierte. Geist, Heiliger Geist steht nach Gott, Engel, Heiliger, Erlöser und Teufel und vor Mensch. Schon mit dieser Ordnung macht die Visionärin klar, in welchem Bezugsfeld menschliches Leben sich abspielt. Hildegards Schriften sind schauende und sprechende, ihre Musik klingende Theologie. Und genau dies wird auch in der vorliegenden Doppel CD deutlich, auf der Christina Meißner, renommierte Cellistin, mit ihrem Instrument nicht nur Kaskaden differenzierter Tonwelten hervorbringt, sondern Räume schafft, in denen klangliches Erleben neue Welten öffnet. Auf zwei Tonträgern kombiniert Meißner Hildegards Werke, die dem Cello natürlich sind, weil dessen der Stimme so eng verwandter Klang ihre Umsetzung geradezu zwingend nahelegt, mit zeitgenössischen Kompositionen. Deren oft hochkomplexe Textur verträgt sich auch deshalb so gut mit dem Oeuvre Hildegards, weil ihre Gesänge als klanggewordenes Gebet fokussierende Kraft entfalten, kristallisiertes Leuchten ausstrahlen, das in das Weite Land der Seele führt. Tatsächlich wird in Meißners Spiel – einer kongenialen Umsetzung eines Wortes aus Hildegards Gesängen: „in dir singt und spielt der Heilige Geist, denn du bist den Chören der Engel zugesellt“ – die enge Verwandtschaft der von ihr präsentierten Werke deutlich, die ihre Wurzeln in der Spiritualität haben. Dies gilt für Sofia Gubaidulinas „Aus den Visionen der Hildegard“, dessen Entstehungsprozess für die russische Komponistin wie ihr tonschöpferisches Tun überhaupt, Gebet war, ebenso wie für die von Meißner in Auftrag gegebenen Werke von Esaias Järnegard, Martin Rane Bauck, Lisa Streich und Joseph Andrew Lake. Das neue CD Projekt von Christina Meißner heißt nicht nur „Ispariz. Eine Vision“, es verkörpert tatsächlich eine – gottlob hörbare – Vision einer Art des Musizierens, die hochkünstlerisch und zugleich nicht artifiziell, sondern vollkommen natürlich ist, da Meißner auf eine tiefe Weise von innen her durchdringt, was sie spielt und so selbst zum Instrument der Werke wird, die sie gemeinsam mit ihrem Cello erklingen lässt. Das Ergebnis ist faszinierend, inspirierend und zeigt deutlich, warum Kultur zu jeder Zeit, aber gerade heute Not-wendig ist: sie öffnet die irdische Wirklichkeit für die Kraft des Geistes – Ispariz.

MDR KULTUR Spezial am 25. Mai 2020

Claus Fischer

Und jetzt, Claus Fischer, was ganz Spezielles, eine Doppel-CD für Solo-Cello mit ausschließlich Neuer Musik…gewagt…

CF
Ja, das hat mich zunächst auch sehr verwundert! Also ich dachte mir, als ich das Album in Händen hatte, ob das wirklich geht? Also verkaufstechnisch ist es sicher recht gewagt, was das Altenburger Label querstand da gemacht hat, aber inhaltlich absolut faszinierend! Solistin ist die Cellistin Christina Meißner, die in Weimar zuhause ist, und die sich in letzten zwanzig einen sehr guten Ruf als Interpretin von Gegenwartsmusik erworben hat. Und die hier nun ihr erstes Solo-Konzept-Doppel-Album vorlegt, Titel ISPARIZ…

Mod
Was heißt das und was ist das Konzept?

CF
Ispariz kommt aus dem okzitanischen und bedeutet so viel wie „Geist“, also „Esprit“ kommt auch daher. Ja, und Christina Meißner hatte eine Vision. Sie hat nämlich visionären Gesänge der Nonne und Kirchenlehrerin Hildegard von Bingen aus dem 12. Jahrhundert ausführlich studiert. Das sind natürlich Gesänge auf Lateinisch für Frauenstimmen, also Gregorianischer Choral, zum Teil auch schon früh mehrstimmig. Und Christina Meißner kam nun auf den Gedanken, diese Gesänge für Solo-Cello zu bearbeiten und aufzuführen. Und die ziehen sich wie ein roter Faden durch diese CD…

Mod
Und das funktioniert wirklich?

CF
Absolut! Ich war selbst auch eher skeptisch, da ich als großer Freund mittelalterlicher Musik eigentlich Purist bin, also Bearbeitungen, noch dazu für moderne Instrumente, sind mir eigentlich suspekt. Aber Christinas Meißner trifft den Ton Hildegards perfekt. Fünf Gesänge bilden den roten Faden für die CD, die dazu sechs Werke von Gegenwartskomponisten enthält. Also ich würde mal den Hildegard-Gesang mit Christina Meißner vorstellen, der mich beim Hören am meisten beeindruckt hat: O eterne Deus, O ewiger Gott.

Spezial Musik Klassik 3 ISPARIZ - Hildegard von Bingen (2:25)

Mod
Eine Frau, ein Cello und eine mittelalterliche Komponistin – Christina Meißner spielte ein Werk von Hildegard von Bingen, zu finden auf der neuen CD mit dem Titel ISPARIZ…

CF
Unglaublich beeindruckend! Man denkt an einigen Stellen, dass da zwei oder drei Celli zusammenspielen. Also Christina Meißner singt mit ihrem Bogen mehrere Stimmen quasi, das Cello ist ja ein Instrument, mit dem man ganz wunderbar singen kann, das haben mir mehrere Cellisten im Interview schon bestätigt. Und diese Hildegard-Bearbeitungen sind allesamt absolut hörenswert, bei mir verursachen sie an einigen Stellen Gänsehaut…

Mod
Nun ist das Ganze ja eine Doppel-CD. Sie sagten, Claus, die Gesänge ziehen sich als „roter Faden“ durch, was ist sonst noch zu hören?

CF
Ein ganzer Kosmos an modernen Werken für Solo-Cello, größtenteils Werke, die für Christina Meißner komponiert worden sind. Die würden den Rahmen dieses Spezials zeitlich und auch stilistisch leider sprengen. Aber sie zeigen, was Christina Meißner mit ihren Hildegard-Bearbeitungen erreichen will, nämlich zwischen diesen modernen Werken Ruhepunkte zu schaffen, in denen sich der Hörer erholen kann und sich für neue experimentelle Klänge öffnen kann, und das funktioniert, finde ich sehr gut…

Mod
Dann bitte noch ein paar experimentelle Klangeindrücke…

CF
Gerne! Es gibt ein Werk auf der CD, das nur eine Minute lang ist, von der Komponistin Lisa Streich, es heißt Kolon, also Doppelpunkt, und das zeigt schon, dass es danach weitergeht, also ein Gedankensplitter, und den hören wir jetzt.

Spezial Musik Klassik 4 ISPARIZ - Lisa Streich, KOLON (1:00)

Mod
„Kolon“, eine Komposition von Lisa Streich mit der Weimarer Cellistin Christina Meißner, die CD heißt ISPARIZ und ist beim Label querstand in Altenburg erschienen.

Deutschlandfunk

Redaktion: Frank Kämpfer
Die Neue Platte/Neue Musik
Autorin: Yvonne Petitpierre

Sonntag 19. Juli 2020 / 9:10 Uhr

ISPARIZ – eine Vision
Christina Meißner, Violoncello und Arrangements

Mystische Klänge
Ein Cello erkundet Hildegard von Bingen

Als Kultfigur des Mittelalters prägt die Universalität der Hildegard von Bingen auch die Musikgeschichte. Ihre Lieder und Gesänge haben die Cellistin Christina Meißner zu einem Projekt inspiriert, dass an die Zeitlosigkeit der Mystikerin appelliert und gleichzeitig Komponisten der Gegenwart zu einer Stellungnahme auffordert. Beim Label Querstand ist soeben die ungewöhnliche Doppel-CD Ispariz – eine Vision erschienen.

Am Mikrophon Yvonne Petitpierre. Hildegard von Bingen, 1098 geboren, gilt bis heute als eine von Mythen umrankte Erscheinung in der deutschen Geschichte. Ihr visionäres Charisma und ihre aktive Teilnahme am öffentlichen, politischen und kirchlichen Leben scheint beispielhaft für die Emanzipation der Frauen. Als Universalgelehrte überschreitet sie Grenzen, die ihr als Frau von der patriachalen Kultur des christlichen Mittelalters gesetzt wurden. Mensch, Umwelt, Leib und Seele, alles steht laut Hildegard in stetiger Verbindung zueinander und darin wurzelt ihre immerwährende Aktualität. In ihrer spirituellen Gedankenwelt spielt auch die Musik eine maßgebliche Rolle, der sie sich als Autodidaktin zeitlebens intensiv gewidmet hat. Musik begreift sie als Suche des Menschen nach der Stimme des heiligen Geistes.

Jenseits der Zeitgrenzen

„Ich verfasste und sang Lieder und Melodien zum Lobe Gottes und der Heiligen ohne die Belehrung eines Menschen, obwohl ich niemals Neumen und Gesang erlernt hatte“, so das Selbstzeugnis der einstigen Äbtissin des von ihr gegründeten Benediktinerinnen-Klosters Ruperstberg. Als vielseitige und weitsichtige Geistliche appellierte sie stets an die Selbstverantwortlichkeit des Menschen. Gesang steht für sie in unmittelbarem Kontext der Gottesverehrung und ist immer auch Teil göttlicher Eingebung. Die Cellistin Christina Meißner fühlte sich inspiriert, diesen Geist, also ISPARIZ zu bewahren und auf die aktuelle Zeit zu übertragen. Vor diesem Hintergrund hat sie unter dem gleichnamigen Titel ISPARIZ - eine Vision ein Projekt konzipiert, in dem sie Gesänge der Hildegard von Bingen für Violoncello arrangiert und mit Musik der gegenwärtigen Komponistengeneration konfrontiert hat. Mit ihrem Rückgriff auf die mittelalterlichen Gesänge möchte Christina Meißner einen Gegenpol zur oft hochkomplexen zeitgenössischen Musik bilden. Die Nähe des Cellos zur menschlichen Stimme haben ihr die Arrangements nahegelegt, für deren Konfrontation sie diverse Kompositionen in Auftrag gegeben hat. Alle Werke werden hier als Weltersteinspielung in klanglich sinnlicher Interpretation und exzellenter Aufnahmequalität vorgestellt. Die CD eröffnet mit dem Gesang O frondens virga, dessen Text die Ehrfurcht des Menschen vor den Wundern der Schöpfung und Natur thematisiert. Musikalisch dominiert eine schlichte Melodie, die im Arrangement durch Christina Meißner noch intensiviert wird.

Ein erster Gegenpol zu diesen Raum greifenden Klängen kommt von Sofia Gubaidulina. 1994 und 2019 hat sie aus einer gefühlten Seelenverwandtschaft das Stück Aus den Visionen der Hildegard von Bingen für Alt solo komponiert und als einziges Werk dieser CD handelt es sich hier um keine Auftragskomposition. Die mental empfundene Nähe zur Universalgelehrten markiert nach eigenen Aussagen eine grundsätzlich zentrale Antriebsfeder für Gubaidulina’s künstlerisches Schaffen, denn „Komponieren ist für mich eine Art Gottesdienst. Komponieren heißt beten“. In ihrem Schaffen richtet sich der Blick häufig auf existentielle Fragen, wenn sie ein „Spannungsfeld aus expressiver Kraft und vertonter Stille eröffnet“, so Egbert Hiller im ungewöhnlich umfangreich informierenden Booklet zur Doppel-CD. Hildegard von Bingens kompositorischer Gestus diente Gubaidulina dabei als Ansatzpunkt. Die Vision als zentrales Moment spiritueller Erfahrung gestaltet sie in visionär konzipierten Klängen, die sie ihrem Komponistenkollegen Alfred Schnittke zu dessen 60. Geburtstag widmet.

Klang als Form der Existenz

Die, in Weimar lebende Cellistin Christina Meißner sucht für ihre Programme vorzugsweise nach grenzüberschreitenden Verbindungen zwischen alter und neuer Musik, die fasziniert und in den Bann ziehen kann. Mit Ausnahme des, sich explizit auf Hildegard von Bingen beziehenden Stückes von Sofia Gubaidulina, sind alle anderen Kompositionen innerhalb der letzten drei Jahre im Auftrag der Solistin entstanden
Ein Spiel mit unterschiedlichen Gegensätzen reflektiert der schwedische Komponist Esaias Järnegard, Jahrgang 1983 in seinem Cellostück à Sybil –Mōnë. Im Zentrum stehen Konfrontationen von existierenden Zuständen, die er zu verbinden sucht. Hoffnung und Trostlosigkeit oder Resignation und schreiendes Aufbegehren begegnen hier dynamisch variantenreich. Acht kurze Sätze fügen sich zu einem Ganzen. Klänge, die Järnegard als Zustand des Seins begreift, erkundet er hier in geheimnisvollen Räumen, in denen „Vergangenheit und Gegenwart durch die Hände und den Cellokörper der Interpretin ins Schwingen geraten sollen“.
Der Komponist will so eine mystischere und ursprünglichere Sphäre betreten. Neben dem Cello kommt hier auch Christina Meißners eigene Stimme zum Einsatz.

Die Dramaturgie der klangintensiven Einspielung, die trotz hochkontemplativer Momente auch mit dynamisch exzessiven Ausbrüchen konfrontiert, integriert erneut ein Lied der Hildegard von Bingen, das sich dem Lob Gottes verschreibt. Aer enim volat überträgt Christina Meißner mit großer auratischer und klanglich dichter Intensität auf das Cello, um den Atem als Lebensspender hörbar zu machen.

Nicht greifbar

Nach diesem atmosphärischen Moment greift die Cellistin auf eine Komposition des Norwegers Martin Rane Bauck, Jahrgang 1988 zurück. Sein Interesse gilt neben Texten von Franz Kafka der elektronischen Klangerzeugung, die er auf akustische Instrumente überträgt. The air from afar, so der Titel, arbeitet mit fixen Tonhöhen sowie Geräuschen, wobei das Cello husten, atmen und singen soll. Hildegard von Bingens Überlegungen zum Wesen der Musik lieferten ihm für das Stück einen wichtigen Impuls. Im Geräusch der Klänge möchte er für sich die Möglichkeit entdecken, mit fernen Liedern, fernen Stimmen, ferner Luft und einem mythischen Ursprung in Kontakt zu treten.

Zwischen Kreuzigung und Erlösung

Die schwedische Komponistin Lisa Streich, 1985 geboren, versucht ihrer tief empfundenen Spiritualität auf klanglicher Ebene Gestalt zu geben. Für das Projekt ISPARIZ, eine Vision, an dem sie auch hinsichtlich der beteiligten Komponisten beratend mitgewirkt hat, präsentiert sie zwei Kompositionen, die Stellung beziehen. Unter dem Titel Fleisch fasst sie Aspekte der Kreuzigung mit äußerst eindringlich pochender Intensität und lässt den Schmerz geradezu physisch erlebbar werden. Nach eigenen Aussagen versucht Streich „sich auf die Schnittstelle zwischen menschgewordenem Fleisch und metallenem Nagel zu konzentrieren“. Gegen Ende lässt ihre zunehmend zarter werdende Musik aber auch Kontemplation und Raum für eine Art Trost erkennen.

Ein Moment entscheidet

Im Mittelpunkt der zweiten CD dieses Doppelalbums steht das knapp 30 minütige Werk I am a clock des 1979 in Amerika geborenen Joseph Andrew Lake. Seine Kompositonssprache fokussiert vor allem den innermusikalischen Prozess einzelner Klänge zwischen Er- und Verklingen. Bookletautor Egbert Hiller verweist auf Lake’s unbeirrbare Geduld, mit der er „in Gefilde beständigen Suchens eintrete, um an jedem Punkt der Entstehung eines Stückes durch genaue Kontrolle und geistige Reflexion aus der Vielfalt der Möglichkeiten die einzig richtige herauszufiltern“. Seine Komposition beschreibt Christina Meißner als Zeitlupenakrobatik. Alles wirkt beinahe statisch und entwickelt in metrischen Rastern einen meditativen, fast sogartigen Gestus.

Soweit abschließend noch ein Ausschnitt aus I am a clock von Joseph Andrew Lake Vorgestellt wurde Ihnen heute das Projekt ISPARIZ-eine Vision von und mit der Cellistin Christina Meißner. Liturgische Gesänge und Melodien zum Lobe Gottes aus der Feder von Hildegard von Bingen werden auf dieser CD mit zeitgenössischen Auftragswerken kombiniert.
Alle Werke sind als Weltersteinspielung beim Label Querstand, der Verlagsgruppe Kamprad erschienen. Sie hörten einen Beitrag von Yvonne Petitpierre. Unter www.deutschlandradio.de können Sie diese Sendung noch 7 Tage lang nachhören. Oder darüber hinaus auf dieser Soundcloudseite:
https://soundcloud.com/christina-meissner/isparizdlfyvonne-petitpierre

TEMPO

Juli Zhu

Spirit. Or Ispariz, in Hildegard von Bingen’s invented language. Reader: allow a sincerity this once—there really is that intangible, the shadow of the invisible in Christina Meißner’s album of solo cello music. Beautifully mastered, dancing between Meißner’s own transcriptions of Hildegard’s twelfth-century vocal music and the sonic physicality of newly commissioned pieces, ISPARIZ. eine Vision is an extraordinary performance as well as an irenic, crafted experience.

The album is treated as such: one holistic artwork. From the first piece to the last, each Hildegard transcription creates space for the next new work, which echoes the Hildegard that just left our ears. All of which is of course intentional—Meißner communicated to the composers the specific Hildegard songs that perfumed her world. Et voilà, a through line of inspiration was established at the very beginning of the compositional process.

The first recording is Hildegard’s O frondens virga (O blooming branch) that literally bloomed in its large acoustic, ornamented by peripheral bird sounds around the gothic Løgumkloster Kirke in Denmark. The leaps in the song push and explore the massive space, the correct setting to allow the majesty in ancient music to breathe, while the bird sounds ground our imagination in a specific place, obviously existing in our current time—straddling old and new.

Next is Sofia Gubaidulina’s Aus den Visionen der Hildegard von Bingen, written in 1994 for Alfred Schnittke, which retains the same initial leap in the Hildegard, but it expands from the vocal range to the sonic realms of the cello, leaping larger and larger intervals, from the lowest notes of the cello to almost pious harmonics. Long leaps are metaphorical of faith, in divinity or simply in the cellist’s ability to grab onto the note. In the performance, one hears Meißner’s embodiment of the piece, the confidence and knowing, which she jokingly describes as being “a bit drunk in the hand.”

In the third piece titled à Sibyl – Mǒnē, by Esais Järnegard, the timbre is expanded even further with a palette of extended technique and the introduction of Meißner’s voice. Continuous glissandi between microtones in the lowest register echo the melismas of plainchant. It appears that this particular piece was closer mic’ed, picking up elements of the body—cello and human— hair, skin, wood. The guttural circular bowing around the bridge delves into explicit materiality, while also forcing the higher overtones to sparkle over the texture.

This trio of pieces is a perfect introduction to the album. Together, they first offer the space, context and architecture, then they open up the pitch material, and finally, they give way to density and texture, arriving at a world where reverberation and repetition rise above rhythmic variation, where one has to submit to an exposed pulse.

Closing out the first CD are two pairs of pieces, forming a direct dialogue between Hildegard and newly composed pieces. Martin Rane Bauck’s The air from afar is based on Hildegard’s Aer enim volat (for the air is fleet) and about “putting oneself in contact—through the noise of noise—with distant music, distant songs, distant voices, distant air—with a mythic beginning, and with the 12th-century hymn of Hildegard.” The piece is a series of exhalations, brisk upbows with marvelous momentum. The dry agility of the bow is apparent in the recording—it becomes like breath. The delicacy of hair is juxtaposed by the other side of the bow in the next piece. Lisa Streich’s FLEISCH starts with the wood of the bow hitting muted strings with fortissimo. Seemingly an extreme prolation of Hildegard’s O splendidissima gemma (O jewel resplendent), the repetitive battuto beating forces the listener to tune their ears to the changing higher overtones, convincing the percussive hit to lie instead in a place of meditation. During performance, Meißner’s lifted or dropped head indicates the transformation from internal to external, from playing for oneself to playing for the world. Again, the exquisite curation comes through in this quartet of pieces, from the transition between The air from afar and FLEISCH to the bookending Hildegard songs.

The second CD is another such quartet, beginning and ending with Hildegard songs, and in between, Joseph Andrew Lake’s I am a clock, and a second Lisa Streich, the miniature, coda-like KOLON. At just over 26 minutes, I am a clock is the centerpiece of the second half of the album and relies upon the sonic baptisms of the first half. The first note is held for exactly 60 seconds, and for the rest of the piece—almost entirely made up of dyads whose lengths are determined not in beats but by the length of bow and dynamics—time passes as events do in nature: constantly yet not always consistently. While sharp rhythm grabs, this alternative, stochastic meter lets go. There is a natural ebb and flow—one comes to it, as it does not seek attention. In live performance, however, there is the curiosity of the bow playing above the left hand nearer the nut, or between the fingers of the left hand, which unfortunately cannot be shown in a CD. It is appropriate that I am a clock feels like the culmination of an album—there’s an interiority present that seems to be Meißner’s overall message.

According to Meißner, the highest validation is when after a concert of the album, often in the same considered order, the audience does not clap after the last piece, Hildegard’s O eterne deus. They do not react, still internalizing. I am similarly stunned, and cannot recommend this album enough. To discover such mature compositional voices and ardent performance on an unfamiliar label—for that I am grateful. I hope more albums adopt Meisßner’s approach, pairing old with new, with the same studied attention to extramusical space and purpose.

Neue Zeitschrift für Musik

Torsten Möller

When! Christina Meißner, cello solo. Works by Isang Yun, Peter Eötvös, Adriana Hölszky, Salvatore Sciarrino, René Mense, Bernd Alois Zimmermann and Klaus Huber. Querstand VKJK 1415

Isang Yun, Peter Eötvös, Adriana Hölszky or Klaus Huber. Those names are well known, sound familiar. In times when everybody is fighting to be special and the pure event replaces quality consciousness, such a publication might not catch much attention. People might say, those ladies and gentlemen are from another period, from times when people still believed in a better world and in Marxism.
Already in the first bars one stops thinking in those clichés. Isang Yun’s Glissées begins wonderfully soft and dry with pizzicato impulses! They immediately take the listener by the hand on a journey along extreme virtuosity (Touch... Windows by René Mense), very poetic passages including spoken words (Two Poems to Polly by Peter Eötvös), cranky miniatures (Nouns to Nouns II by Adriana Hölszky), and subtly wiped notes which open worlds of special atmospheres (Al limite della Notte by Salvatore Sciarrino).
Christina Meißner has already published a fascinating recording of Johann Sebastian Bach’s Cellosuite d-minor BVW 1008. On top of that she knows her way in contemporary music and its needs extraordinarily well as co-founder of the Weimar based ensemble Klangwerkstatt. She worked with Isang Yun, Helmut Lachenmann and Adriana Hölszky. Every note she recorded is full of this experience. Isang Yun’s diverse tone modifications can’t be heard in such differentiation very often. Almost infinitely fine are the nuances of the vibratos in Glissées and the big scale of dynamics sounds always under control. In all pieces Meißner’s special sound comes out. It is a narrative sound with a warm and soft kind of flexibility, which is unique among contemporary cello interprets.
The CD was released on Querstand, the classic label of Publishing Group Kamprad. The recordings took place in a private studio in Jena in order to serve the individual needs of the repertoire. In the liner notes Meißner thanks the sound engineer Harms Achtergarde for his “strong and loving way to put himself into the work and his precision power for musical ideal”. Both apply to her as well. That is how when! became a CD which brings together a repertoire of highest value and a technical and interpretative level that sets new standards. Three of the pieces (Rauhe Pinselstriche by Klaus Huber, touch... windows by René Mense, Al limite della notte by Salvatore Sciarrino) are recorded for the first time. So this recording meets the expectations even of the “innovation fanatics”.

Musik: 5
Technik: 5
Booklet: 4

Bayerischer Rundfunk

Helmut Rohm, July 1st 2008

Music for cello with a very exceptional program

...recorded by the remarkably diverse cellist Christina Meißner, who has had her education in Weimar and Prague. On her new CD the artist recorded a repertoire of pieces written during an incredibly wide span of almost 1000 years. In 2001 Elliot Carter wrote the most recent composition. He is considered the father of American contemporary music and will celebrate his 100th birthday this year. Furthermore the CD contains the sixth cello-suite from Johann Sebastian Bach and a fascinating cello-sonata by Arthur Schnabel, who was world famous as a pianist in the first half of the 20th century... minnelieds from anonymous sources, with melodies originating from the 11th and 12th century. The young composer from Hamburg René Mense arranged them in a very skilled way.

Frankfurter Allgemeine Zeitung

Eleanor Büning, 2nd of June 2008

“Wild”

No cellist can avoid the solo suites of Bach. Now Christina Meißner included one on her third album as well, the sixth in D-major BWV 1012...
But Bach is only an additional ingredient of this conceptual album with the name „trouvailles“. In the pieces of the present, which the CD consists of – Elliott Carter’s tribute to Charles Ives, René Mense’s adaptations of French Troubadour-songs – Meißner can make use of her outstanding familiarity with contemporary music, which she gained as one of the founders of the ensemble “Klangwerkstatt Weimar”. The most beautiful treasure among her discoveries for cello solo is the complexly set and at the same time very virtuoso sonata, which the pianist Arthur Schnabel composed in 1930. A wild mixture.

Frankfurter Allgemeine

Elleonore Büning, 2. Juni 2008

„Wild“ Kein Cellist kommt auf Dauer an Bachs Solosuiten vorbei. Jetzt hat auch Christina Meißner ihrem dritten Album eine einverleibt, die sechste in D-Dur BWV 1012... Aber Bach ist Zugabe, nicht Hauptattraktion dieses „trouvailles“ getauften Konzeptalbums. In Stücken der Jetztzeit, die dazu kombiniert sind – Elliott Carters Hommage an Charles Ives, René Menses Adaptionen von französischen Troubadourliedern – kann Meißner, die als Mitglied und Mitbegründerin des Ensembles klangwerkstatt weimar mit neuer Musik hervorragend vertraut ist, ihre Stärken ausspielen. Das Prunkstück unter ihren Fundstücken für Cello solo ist die satztechnisch komplexe, zugleich hochvirtuose Sonate, die der Pianist Artur Schnabel 1930 komponiert hat. Eine wilde Mischung.

Radio Bremen

Marita Emigholz, 27th of May 2008

“Trouvailles” is the name Christina Meißner, living in Weimar and having been educated there and in Prague, gave to her new CD: discoveries. The opener of the CD is Trouvères, a minnesong, which René Mense arranged for cello solo. The French word “Trouver” means to find as well as to invent, and what the Trouvèr Jehans de Braine found in his “Par descous lómbre dún bois“ is definitely worth to listen to...

CM’s repertoire comprehends old and new music, like on „Trouvailles“ as well. The two „Figments“ by the American composer Elliott Carter from 1994 and 2001 can be heard as well as the sonata for violoncello from 1931 by Arthur Schnabel, who moved from Vienna to Berlin in 1898 when he was sixteen years old aiming for a career as a pianist. He made a living from performing, but he saw composing, which he began with when he was six years old, as the true expression of his understanding of music. The second movement of his Cello-sonata starts as follows...

Arrangements of medieval Trouvère-songs, both of the „Figments“ by Elliott Carter, the Sonata for Violoncello by Arthur Schnabel and the sixth of the cellosuites of Johann Sebastian Bach can be heard on the CD „Trouvailles“ of the cellist CM. It is released on HOROS and contains a very nice tribute to the instrument cello, like the Sarabande of the sixth cello suite by Johann Sebastian Bach proofs...

MDR Figaro

Dr. Michael Oehme, 28th of April 2008

On her CD with the title “Trouvailles” (lucky inventions) the cellist Christina Meißner living in Weimar, is making love testimonies to the music itself, to our feelings and to the ways of expression of her wonderfully changeable solo instrument. The demanding program ranges from French minnesongs to Bach as well as Elliott Carter. A special discovery is the Sonata for violoncello by the famous pianist Arthur Schnabel.

Fonoforum

December 2005
afri

Bitter and concentrated

When Benjamin Britten wrote the Cello Suites he had planned to create a modern complement to the suites of Bach therefore he intended to compose six suites of which he actually finished three. He wrote them for his friend Mstislaw Rostropowitsch who also performed them for the first time. He sets high measures which he fulfills with the density and expressivity of the composition. Christina Meißner is absolutely capable of the performance. Her personal way to read the music has a certain bitterness and concentration which surprise. For sure one could play the “Barcarola” of the third suite more elegant as well as the “Andante” of the second suite heartier and the “Fuge” of the same suite with less focus on structure but one could hardly be more touching.

crescendo

December 2004/January 2005
Peter Sarkar

“Crescendo”-magazine December 2004/January 2005 Benjamin Britten: Cello-Suites Some of the essential cello pieces of the the 20th century repertoire are the cello-suites by Benjamin Britten written for Rostropowitsch, therefore many recordings of them exist. Three years ago I wrote about a recording by Truls Mørk on Virgin Classics. Now Christina Meißner brought out a recording on the small label from Dresden “Horos”. She is only known in central Germany. How unfair! Compared to Mørk, Meißner clearly scores higher, as she has a more plastic shape in her interpretation and takes more risks. Mørk tries to achieve clearness while Meißner tries to separate the layers of main content and the background from each other, which especially the fugues benefit from. She dares to play with extreme sounds as rough sounds and roaring crescendos. Mørk gives the necessary power to the suites but he still is strangely pale. An impressing example of Meißner's great strength in forming is the Andante of the second Suite, in which a cantabile melody is confronted with a pizzicato accompaniment in a rhythmically clashing way. The accompaniment is an obstacle for the melody and in spite of this fact it is still played cantabile, whereas Mørk is loosing its inner context. So who is Christina Meißner? The booklet does not tell anything about her. I heard her for the first time five years ago in Berlin with the ensemble “Klangwerstatt Weimar” founded by her among others in 1993. Since about 20 years she is performing solo as well. One can draw the conclusion that she passed the age in which rising stars are being “discovered” but I recommend everybody to discover her individually through this recording.

Neue Zeitschrift für Musik

May/June 2003
Lutz Lesle

CHRISTINA MEISSNER plays solo compositions by Zoltan Kodaly, Johann Sebastian Bach and Isabel Mundry There is something pleasing about the solo-CD recorded by one of the founders of the Klangwerkstatt Weimar in the advantageous acoustic of the Bethlehems church in Dresden, that gives a certain lift to the listener. One thing is nameable: It results of an ideal sensual unity of composer, composition and interpret which creates a loaded tension while listening. This tension bears a conviction about the meaning of the music in it. The smartly composed order of the recording starts with the hardly known Sonata op. 8 by Kodaly. The listener is amazed by the astonishing composition because of its never ending flow of ideas over half an hour as well as by the strength of the interpret in following the movements of the composition in three chapters. Only loving the sound character of the cello can enable to perform so persistant. Before moving on to Bach she spends nine minutes with the Cellosolo (1997) by Isabel Mundry. It is a chain of opening and closing moods and spontaneous and deliberate movements which form a long story touching the sound limits of the instrument in an associative way. The most subtle pleasure brings the cellist in the Suite No.2 d-minor BWV 1008 by Bach in which she sets the dance character of the latent polyphonic movements to music in a highly effective way.

musikalische Wertung 5
technische Wertung 4
Repertoirewert 5
Booklet 2
Gesamtwertung 4

Weimar Kultur Journal Nr.2/2003

Ute van der Sanden

CELLO BAREFOOTED

It is not an easy listening record. To be honest: who would put a cello solo recording into his CD-player purely out of personal curiosity? Bach’s solo suites - Yes. That is fine. But contemporary music? Or totally modern? One would in special cases listen to that in concert and accept it as a necessary attachment to the classical main content of the program like a horse which tries to read Arabic and gives up. But after some time this experience of contemporary music at the concert is being understood with astonishment. One of those concerts is the CD of Christina Meißner, her first solo recording. For her it is a part of her concept to play contemporary music of composers like Zoltán Kodály and Isabel Mundry. And who else should be the courageous one to set accents on the comfortable recording market than her, founder of the ensemble "klangwerkstatt weimar" which is establishing new music since 1996.

There seems to be a magic connection between the cover photograph and her playing. Her arms and legs wrap the instrument like tentacles. She is barefooted. That conveys the relation of her to the cello as a sensual one. Things which are unnecessary for the art are left out, like shoes. As well as fixed attitudes, this would be obstacles on her search for the essence of the notes. The vitality, passion and the colorfulness with which she plays Kodály is exceptional. In his Sonata op.8 one is exposed to a huge spectrum of technical possibilities and more than that to a universe of expressive moods. The recording of Bach’s second suite in d-minor has something in common with that: Not at all every note of this interpretation is polished artificially. The contrary, the sparse vibrato makes it even more emphasized. What catches is her sober way to go for the completeness and how she comprehends the music as a whole. Taking this into account it is a friendly recording which can please not only the professional musician who knows about Kodály and Mundry not being Caucasian cow races.

Thüringer Allgemeine

newspaper weekend attachment 21.12.02
Frauke Adrians

Cello between Bach and contemporary

The bridging between Bach and Kodály is not as difficult as one thinks, especially for a cello played by Christina Meißner, who can overcome the distance effortlessly. She opens her recent solo debut released on “Horos” - records with the Sonata op. 8 by Kodály and closes it with the Suite No. 2 d-minor by Bach. For her those two are not separated from each other, the contrary is the case: The connecting power is stronger than the distance of centuries between baroque and Hungarian avant-garde. She handles the title of the first movement consequently: she plays with majesty but also passionate, works out the contrast created by fat chords and pianissimo-shimmering very well articulated without showing off with effects. The Bach-suite is approached more restrained. Her interpretation is delicate and light, sometimes holding back as the cello whispers even at points where it could be more determined. But on the other hand it has a sensitivity which especially the minuets benefit from. The Cellosolo by Isabel Mundry is loaded with almost electric seeming tension which can sometimes dazzle and Meißner plays it with fascinating expressivity. And there she bridges another gap – to the contemporary music which she as one of the founders of the “klangwerkstatt Weimar” is very much involved with.

Resonanz – Das Magazin der Hochschule für Musik FRANZ LISZT Weimar

2002/2003
Claudia Buder

Weltenreise mit Zwischentönen

„eher aus dem Instinkt als aus dem Verstand, eher durch die Intuition als durch den Willen“ – mit dieser Introduktion lädt Christina Meißner zu ihrer ersten Solo-CD ein. Kodály, Mundry, Bach. Ihre bewußt gewählte Symbiose von Barock, Moderne und Klassischer Moderne ist erfrischend. Weil sie eben nicht den gewohnten Konventionen folgt. Aufmunternd für Saitenblicke. Also, wer kommt mit auf die Reise?

Kodály: Der großen epischen Form folgt Christina Meißner mit der ihr eigenen Sinnlichkeit und dramatischen Intuition. Tiefsonores Wollen pulst bei robustem Furioso. Aber auch hingebendes Lauschen. Klassische Virtuosität oder Aufbruch zu neuen Welten? Eine entscheidende Frage für dieses Werk?

Mundry formt den Weg eines Gedankens in Tonsprache. Unvermittelt, rückbesinnend, keine Logil oder doch? Hier zeigt die Mitbegründerin der "klangwerkstatt weimar" die Stärke ihrer leidenschaftlichen Experimentierfreudigkeit. Im überzeugenden Subito zeigt sich die große Palette ihrer Farbigkeit.

Bach: „Kein Cellist, der nicht an den Suiten seine Kunst erprobt…“ Ja, wahrhaftig. Im Bach spiegelt sich das Selbst der Persönlichkeit.

Wo Christina Meißner im Triplett von polyphoner Tonsprache, rhythmischem Duktus und melodischer Freiheit ihre Schwerpunkte setzt, mag jeder für sich hörend erkunden. Denn nicht Bach, sondern Meer...Weltenreise.

Deutschlandfunk

Die neue Platte: Neue Musik
Sonntag, 28.12.2014
Frank Kämpfer

In Welten des Leisen und der Stille ist die nächste CD angesiedelt; sie bietet vier Kompositionen für die Kombination Violoncello und Orgel, die ungeachtet ihres je individuellen Charakters in ähnliche Richtungen weisen. Was sie technisch verbindet, ist die Vorliebe der vier UrheberInnen – wie Bookletautor Walter-Wolfgang Sparrer treffend beschreibt – für „meditativ tastende Gangarten“, so-wie für „geräuschhafte Klänge, oft an der Grenze zur Hörbarkeit“. Gemeinsam ist ihnen auch die Vision, so verschiedene Instrumente wie Violoncello und Orgel könnten im sakralen Raum dialogisieren wie zwei verschiedene Formen von Existenz. In ihrem Stück Augenblicke – Gebet favorisiert die Koreanerin Younghi Pagh-Paan das Streichinstrument; die Orgel liefert für dessen Aktionen den Klang-Raum. Angeregt durch eine Kierkegaard-Lektüre überträgt die Kom-ponistin das philosophische Denkbild vom „Glauben im Augenblick der Hin-gabe“ in Verläufe unterschiedlicher Dichte und Fließgeschwindigkeit. Die Ame-rikanerin Chaya Czernowin ließ sich für Gradual Edge von einem bildnerischen Objekt inspirieren; zwei hohlen Halbkugeln, die in ihrem Innern das Nichts, die Unendlichkeit suggerieren. Ihre Musik folgt dem Blick, Liegeklänge der Orgel und Cello-Glissandi suggerieren ein kaum vernehmbares, doch überdimensiona-les Rotieren. René Menses Fantasie und Variationen hingegen wirken nach innen gewandt, introvertiert; für Lisa Streich wiederum ist das Fragile, kaum Merkliche Realität. Die junge Schwedin hat ihr Stück Seraph ihrer damals noch ungeborenen Tochter gewidmet; beider Kommunizieren beim Wachsen des Lebens erfährt musikalisch Entsprechung: Durch einzelne Gesten zunächst des Violoncellos – Streich nennt sie „akustische Flügel“ – die eingebettet sind in eine Art Schwebezustand, den ein leiser, in der Zeit gestreckter Orgelchoral sug-geriert. Christina Meißner (Violoncello) und Paul Skølstrup Larsen (Orgel) ha-ben das Stück im Sommer 2014 in der Peterskirche in Görlitz uraufgeführt.

Neue Musik Zeitung

10.02.15
Max Nyffeler

Cello und Orgel, wie passt das zusammen? Sehr gut, hört man sich die vier Werke an, die die Cellistin Christina Meißner angeregt und zusammen mit Poul Skjølstrup Larsen und Reinhard Seeliger eingespielt hat. Bei Chaya Czernowin führt der instrumentale Dialog in unheimliche Dunkelsphären, während Younghi Pagh-Paan, angeregt durch ihre Kierkegaard-Lektüre, eine mystische Innenwelt eröffnet, in der Dramatik und Entrückung zur Einheit verschmelzen. Ihr Stück, wie dasjenige von Czernowin ein dänischer Auftrag zum 200. Geburtstag Kierkegaards, ist der gewichtigste Beitrag auf dieser ungewöhnlichen CD. René Meese setzt demgegenüber mehr auf Klangsinnlichkeit und Farbe, und Lisa Streich tastet die zarten Klangränder ab, an denen sich die Instrumente berühren (querstand VKJK 1429).
Gehört nicht zusammen? Passt aber!

Zeit

Geräuschtheater
Frank Hilberg

In unseren expressionssüchtigen musikalischen Zeiten, in denen so
gerne auf die Emotionsdrüse gedrückt wird (selbst in der tränenseligen
Epoche der Empfindsamkeit ging es in der Musik vergleichsweise
sachlich zu), erfüllt allein ein Titel wie Wolke und Mond den gefühlsbelästigten Zeitgenossen mit unguten Erwartungen. Besonders wenn das Stück auch noch für Akkordeon und Violoncello geschrieben ist - eine mittlerweile populär gewordene Kombination zweier Instrumente, mit denen bereits ungezählte Verbrechen im Namen der Rührseligkeit begangen wurden.

Aber Glück gehabt, die Komponistin Adriana Hölszky ist eine Frau des kräftigen Striches, Flauheit ist ihre Farbe nicht (aber Klotzigkeit darum noch lange nicht). Obwohl sie ohne Melodik auskommt und auch die Harmonik ganz zurücktritt, ist ihr Klanggefüge von großer Plastizität und bringt ein Element in die neue Musik zurück, das schon vollends ausgetrieben schien: Drive. Nicht durch Motorik, sondern durch eine ausgeklügelte Dramaturgie der Dynamik: ein Andrängen und Abschwellen, ein Stop and go auf engstem Raum.

Claudia Buder und Christina Meißner, die beiden Mitglieder des Ensembles Klangwerkstatt Weimar (Animato acd 6065, Vertrieb:www.bauerstudios.de) lassen die Tremoli prasseln und verleihen den Klängen Effet. Der Titel geht übrigens auf ein
zenbuddhistisches Koan zurück - keine Quelle, die der Sentimentalität
verdächtig ist.

Das dramatische Gespür von Hölszky, belegt durch ihre
Musiktheatererfolge, offenbart sich auch in ihrer Kammermusik. Zum
Beispiel, wenn sie zwei (oder mehr) Charaktere in immer neuen
Konstellationen einander umkreisen lässt. Dabei kommt es zu Wahlverwandtschaften und Idiosynkrasien. Segmente II für zwei Klangzentren - gespielt von Christoph Ritter und Matthias Schröder - zeigt die Symbiose eines Klaviers, das nur im Inneren gespielt wird, mit einem aus mehrdutzendfachen Holzklängen sortierten Schlagzeug. Serienweise fallen die Geräuschkaskaden (zivilisierte Geräusche, nicht die garstiglärmige Art) übereinander her, verwandeln sich perlend, schnarrend, rasselnd. Ein Dramolett der besonderen Art, das zeigt, dass nicht jedes Theater eine Bühne braucht.