Karfunkel

Barbara Stühlmeyer, 15.5.26

Mit LICHT! ist der Cellistin Christina Meißner eine Aufnahme von seltener Intensität gelungen – ein Album, das nicht einfach gehört, sondern durchschritten wird wie ein spiritueller Raum aus Klang, Atem, Schatten und innerem Leuchten. Gemeinsam mit dem zeitgenössischen Komponisten John Palmer eröffnet sie einen Dialog über die Jahrhunderte hinweg, in dessen Zentrum die Visionen Hildegard von Bingens stehen: Visionen von Licht, Verwandlung, Trost und Transzendenz. Schon die ersten Töne von Cum erubuerint ziehen den Hörer in einen Zustand schwebender Wachheit hinein. Meißners Stimme legt sich wie ein zarter Schatten über den warm leuchtenden Celloklang, bis beide Ebenen nicht mehr voneinander zu unterscheiden sind. Hier entsteht etwas Außergewöhnliches: Klang wird nicht bloß interpretiert, sondern verwandelt sich in einen Ort der Begegnung zwischen Mittelalter und Gegenwart, Körper und Geist, Sichtbarem und Unsichtbarem. Die Größe dieser Einspielung liegt gerade darin, dass sie sich jeder bloßen Gegenüberstellung von alter und neuer Musik entzieht. Palmers Lux-Tetralogie – Lux Vivens, Lux Ardens, Lux Obscura und Lux Serena – wirkt nicht wie ein Kommentar zu Hildegard, sondern wie eine Fortsetzung ihres visionären Denkens mit den Mitteln heutiger Klangsprache. Die Musik tastet sich an Grenzbereiche der Wahrnehmung heran: flirrende Mikrointervalle, eruptive Klanggesten, dunkle Resonanzen und fragile Ruhepunkte bilden ein Prisma aus Licht und Schatten. Dabei entfaltet jede Komposition ihren eigenen spirituellen Zustand – vom strahlenden Aufbruch über brennende Intensität bis hin zu jenem geheimnisvollen Dunkel, in dem Licht erst seine eigentliche Tiefe gewinnt. Besonders beeindruckend ist, wie organisch Christina Meißner beide Welten miteinander verbindet. Ihr Spiel besitzt eine beinahe physische Ausdruckskraft und zugleich eine große Innigkeit. Die erweiterten Spieltechniken wirken niemals experimentell um ihrer selbst willen; vielmehr scheinen sie aus dem Innersten der Musik hervorzuwachsen. Jeder Ton trägt Bedeutung, jede Geste wird zum Ausdruck existenzieller Suche. Dass Meißner zugleich singt und spielt, hebt die gewohnte Trennung zwischen Stimme und Instrument auf. Das Cello beginnt zu atmen, die Stimme beginnt zu schwingen wie ein weiteres Saitenregister – eine faszinierende Einheit aus Klang und Resonanz. Dabei entwickelt LICHT! eine erstaunliche emotionale Spannweite. In Lux Ardens lodern Klangblitze durch die Dunkelheit wie innere Feuer der Ekstase oder Verzweiflung. Lux Obscura führt in Regionen des Geräuschhaften und Abgründigen, wo sich Licht nur noch als Erinnerung oder Ahnung zeigt. Umso berührender wirken dann Hildegards Gesänge, deren melodische Schlichtheit wie ein warmer Gegenpol erscheint – nicht naiv, sondern von tiefer menschlicher Erfahrung getragen. Und schließlich öffnet Lux Serena einen Raum fragiler Gelassenheit: keine triumphierende Erlösung, sondern ein tastendes, stilles Weitergehen ins Offene. Die Aufnahme besitzt dabei eine beinahe liturgische Atmosphäre. Die Kirchenräume von Bethel-Bielefeld und Stuttgart werden selbst zu Resonanzkörpern dieser Musik. Man hört nicht nur Töne, sondern Räume, Nachhall, Stille – jene kostbaren Zwischenräume, in denen sich das Unsagbare andeutet. LICHT! ist weit mehr als ein Konzeptalbum über Licht. Es ist eine Meditation über die menschliche Sehnsucht nach Sinn, Trost und innerer Verwandlung in einer zerrissenen Welt. Christina Meißner und John Palmer gelingt das seltene Kunststück, Musik zugleich hochreflektiert und zutiefst unmittelbar erfahrbar zu machen. Diese Aufnahme führt nicht aus der Realität hinaus, sondern lässt sie in neuem Licht erscheinen – geheimnisvoller, verletzlicher und zugleich hoffnungsvoller. So bleibt am Ende nicht das Gefühl eines abgeschlossenen Werkes, sondern einer geöffneten Tür: hinein in einen Klangraum, in dem Licht und Schatten, Vergangenheit und Gegenwart, Spiritualität und Gegenwartskunst auf magische Weise eins werden.

Sargasso

kündigt mit großer Freude die Veröffentlichung von LICHT! an, einer eindringlichen und tief reflektierten neuen Einspielung der Cellistin Christina Meißner, die die visionären Gesänge Hildegard von Bingens (1098–1179) in einen Dialog mit einer neu entstandenen Tetralogie des zeitgenössischen Komponisten John Palmer bringt.

LICHT!
Transzendenz ins Magische – Licht als Klang, Schatten und spirituelle Resonanz

Nach ihrer vielbeachteten Veröffentlichung ISPARIZ. eine Vision setzt Meißner ihre Auseinandersetzung mit Hildegards Klangkosmos fort und eröffnet neue Verbindungen zwischen mittelalterlicher Spiritualität und zeitgenössischer Musiksprache. Das Ergebnis ist ein immersives Hörerlebnis, das die Intensität einer Live-Aufführung widerspiegelt, in der die Zeit stillzustehen scheint und Klang zum Raum der Begegnung wird.

Im Zentrum dieses Projekts steht ein gemeinsamer spiritueller Impuls, der Jahrhunderte überbrückt: die Suche nach Erleuchtung, nach innerem und äußerem Licht und nach Sinn jenseits der Unmittelbarkeit des Alltags. Hildegards ekstatische, visionäre Melodien begegnen Palmers unverwechselbarer Klangwelt und formen einen Transformationszyklus, in dem Licht als Metapher, als Material und als gelebte Erfahrung erscheint.Meißners einzigartiger Ansatz hebt die traditionelle Hierarchie zwischen Stimme und Instrument auf. In ihren Bearbeitungen von Hildegards Gesängen werden Cello und Stimme zu gleichwertigen, ineinander verwobenen Klanggestalten: Atem, Resonanz und Geste entfalten sich in einem gemeinsamen klanglichen Raum. Subtile zeitliche Verschiebungen und eine feine Sensibilität für Klangfarbe schaffen eine lebendige, organische Textur, in der Klang fortwährend neu bestimmt wird.

Als Rahmen dieser Neuimaginationsprozesse erkunden John Palmers Lux Vivens, Lux Ardens, Lux Obscura und Lux Serena, eigens für Meißner komponiert, das Licht als Bedingung von Wahrnehmung und Verwandlung. Jedes Werk entfaltet einen eigenen klanglichen und spirituellen Zustand, inspiriert von Hildegards Visionen: von strahlendem Hervortreten über brennende Intensität bis hin zu verschatteter Tiefe und fragiler Gelassenheit. Unter Einbeziehung erweiterter Spieltechniken und in enger künstlerischer Zusammenarbeit mit der Cellistin entwickelt sich Palmers Musik zu einem Prisma aus Licht und Resonanz, in dem Klang sowohl als physische Präsenz als auch als metaphysische Reflexion erfahrbar wird.

Die Aufnahme durchläuft Zyklen von Erhellung und Verdunkelung, von Erscheinung und Auflösung. Licht ist hier nicht bloß Helligkeit, sondern eine Schwelle, untrennbar verbunden mit Schatten, mit Ungewissheit und mit dem Unbekannten. In diesem Wechselspiel wird LICHT! nicht zur Darstellung von Licht, sondern zu einer Einladung, dessen Entfaltung zu erleben: als Schwingung, als Energie und als gemeinsamer Akt des Hörens.

Neue Zeitschrift für Musik 2_2026

Yvonne Petitpierre

Bereits mit den ersten Tönen wird eine sehr ungewöhnliche Klangerfahrung erlebbar, die unmittelbar aufhorchen lässt. Irritation mag eine erste Reaktion sein, die aber schnell eine eigensinnige Artikulation erkennen lässt. Diese Einspielung ist als Antwort auf den Lockdown während der Corona-Pandemie im Auftrag des Deutschlandfunks entstanden. Die Cellistin Christina Meißner beschreibt die knapp 45-minütige Komposition Wo bin ich? nicht nur als unbeantwortbare Frage, sondern als
«akusmatisches» Werk, das inspiriert durch einen gleichnamigen Essay des französischen Philosophen und Soziologen Bruno Latour ist. Mit seiner fundamentalen Frage nach einer individuell wahrgenommenen Standortbestimmung wollen «Tiefenschichten einer existentiellen Selbstverortung verfolgt werden», wie Meißner
betont. Musikalisch thematisiert sie die Zeit der Isolation als eine klangliche Feldforschung, an der neben dem Cello auch ihre eigene Stimme und Elektronik beteiligt sind. Eine Kurzgeschichte diente Meißner als weitere Quelle, wobei die fragmentierte und neu gesetzte weibliche Stimme einer Sprachaufnahme eigenes Material lieferte. Man muss sehr genau und aufmerksam zuhören, um den permanent wechselnden, mikroskopisch eingesetzten Spiel- und Stimmtechniken zu folgen. Das Ohr wird mit Klängen konfrontiert, die meist wie eine kurze Geste wirken und sofort wieder verschwinden. Im Kontext der Beschränkung auf engsten Raum geht es Meißner um Sprachlosigkeit, Erstarrung, Entfremdung, aber auch um die Suche nach einem Moment des Lebendigen, quasi als «Klangabdruck eines stillstehenden Lebens». In den Mittelpunkt rücken kleinste dynamische Brüche und Veränderungen, die oft vibrieren oder für farbliche Abwechslung sorgen.
Nach einer melodischen Dramaturgie sollte man nicht suchen, dafür nach dem Entstehen und Verschwinden von Klängen. Cellosaiten, Holz, Luft und Atem gehen immer wieder neue Konstellationen ein und entwickeln durch das vielschichtige gegen-
seitige Erspüren im Laufe der Zeit eine sogartige Atmosphäre. Minimalistische Bogenstriche und Druckverhältnisse der Finger schaffen Raum für unvorhersehbare akustische Eindrücke abseits jeglicher Intention. Platz greifen auch Momente mehr-
deutiger Stille, die eine gewisse Struktur der kompositorischen Gesamtchoreografie schafft. Nach einiger Zeit des Hörens stellt sich trotz der engmaschig aufflackernden Klangereignisse eine fast merkwürdige, nahezu meditative Ruhe ein.
Die Lektüre des begleitenden Booklets sei dringend empfohlen, denn Autorin Alice Lagaay liefert teilweise philosophisch anmutende Anregungen rund um eine differen-
zierte Form der Aufmerksamkeit und Christina Meißner Einblicke in den Entstehungsprozess dieser subtilen, in manchen Momenten auch nervenaufreibenden Klangreise.
Wenn man genügend Ruhe und Geduld aufbringt, entpuppt sich die Aufnahme als eine lohnende und bereichernde akustische Grenzerfahrung, die zur Schärfung der Sinne
beiträgt. Die Kunst des Hörens gewinnt hier eine Dimension äußerster Fokussierung auf den Moment.

FonoForum 06/2026

Ecki Ramón Weber

Ein einziges vierzig-minütiges Stück ist auf diesem Album. Der Titel: „Wo bin ich?“ Entstanden 2023, wurde er 2025 überarbeitet. Selbstgestellte Arbeitsaufgabe: „Ein Zentimeter Spielraum. Was würde das Cello innerhalb dieser Grenze preisgeben?“, so die Komponistin und Cellistin Christina Meißner. Ihr Instrument setzt die Künstlerin mit experimentellen, ausgeweiteten Spieltechniken ein, ihr zusätzlicher Vokaleinsatz ist nicht weniger weitgefächert. Vor allem die Materialität bei der Erzeugung der akustischen Gestalten, die vielen Möglichkeiten der Reibungen des Bogens an den Saiten und die taktile Erkundung des Instruments bestimmen das Geschehen, aber auch die Artikulationen der menschlichen Stimme und des Atems. Hinzu tritt eine elektroakustische Schicht. Sympathisch in diesem Werk ist, dass es nie um virtuoses Herausstellen geht. Es sind Klänge des Innen, des Intimen, der Nähe, aber auch der Ferne. In ihren subtilen Entwicklungen und brüsken Umschwüngen lädt diese Musik zur Konzentration ein. Mit Sogwirkung.

Sargasso

freut sich sehr, die Veröffentlichung von Wo bin ich? bekanntzugeben, einer akusmatischen Arbeit von außergewöhnlicher Konzentration der Cellistin und Komponistin Christina Meißner, entstanden während des COVID-19-Lockdowns als Auftragswerk für den Deutschlandfunk. Ausgangspunkt ist ein Essay von Bruno Latour, der die Frage „Wo bin ich?“ nicht als Distanz zur Welt, sondern als radikale Nähe versteht, als aufmerksames Hinhören auf das unmittelbar Gegebene.

Diese Perspektive überträgt Meißner auf ihr Instrument durch eine strenge physische Beschränkung: einen Spielraum von einem Zentimeter. Innerhalb dieses minimalen Bereichs entstehen aus mikroskopischen Bogenbewegungen, feinsten Druckveränderungen und kaum wahrnehmbaren Kontaktverschiebungen dichte und unvorhersehbare Klangkonstellationen. Die Klänge treten nicht als expressive Gesten auf, sondern als autonome Partikel, die Isolation nicht erzählen, sondern als klangliche Spur tragen.

Als international profilierte Interpretin zeitgenössischer Musik und enge Partnerin zahlreicher Komponistinnen und Komponisten legt Christina Meißner hier ihre erste großformatige eigene Komposition vor. Sie begreift das Cello zugleich als Instrument und Forschungsraum, als Ort konzentrierten Hörens. Fragmentierte Spuren einer Stimme erscheinen lediglich als Klangmaterial und erweitern den akusmatischen Raum ohne narrative Funktion. Der Titel formuliert keine Aussage, sondern markiert eine Hörhaltung. Was aus äußerster Begrenzung entsteht, entfaltet sich im Hören zu Resonanz und räumlicher Weite und erinnert daran, dass selbst der kleinste Raum ein ganzes Universum enthalten kann.

MusikTexte 166 – August 2020, 93

Max Nyffeler

Beckmesser’s Choice
Ausgewählte Scheiben neuer Musik

Huldigung an Hildegard
Die CDs der Weimarer Cellistin Christina Meißner zeichnen sich durch eine originelle, oft thematisch gebundene Werkauswahl aus. 2008 standen Bach, Elliott Carter und Artur Schnabel neben Arrangements von mittelalterlichen Troubadourgesängen. Und auch ihre neueste, in einem Kirchenraum aufgenommene CD-Produktion blickt nun auf das zwölfte Jahrhundert zurück. Unter dem Titel „Ispariz“ („Geist“) vereinigt sie sechs Kompositionen, die sich alle in irgendeiner Weise auf Hildegard beziehen und mit Originalmelodien der komponierenden Heiligen abwechseln. Wobei das Wort „original“ mit Vorsicht zu genießen ist; die Wissenschaft ist geteilter Meinung über die Echtheit vieler ihr zugeschriebener Stücke. Aber sei’s drum. Wie die Cellistin mit diesen Vorlagen umgeht, verrät eine große Souveränität in der Gestaltung der Linie. Sie führt einen lebendigen Dialog mit dem Raum. Konzentriert horcht sie den Klängen nach, die sich schwebend, im ruhigen Rhythmus des Atems, im Raum ausbreiten. Eine meditative, entspannte Atmosphäre prägt auch die Interpretation der neuen Stücke. Sie stammen von Sofia Gubaidulina, Esaias Järnegard, Martin Rane Bauck, Joseph Andrew Lake und Lisa Streich. Letztere ist gleich mit zwei Werken vertreten. Sie und die Cellistin sind offensichtlich Geistesverwandte, denn die Stücke der drei Männer kamen auf Streichs Empfehlung in dieses Doppelalbum.
ISPARIZ – eine Vision, Christina Meißner, Violoncello, Altenburg: Querstand, 2020.

FonoForum November 2020

Dirk Wieschollek

Nachrichten aus dem Inneren
Neuerscheinungen zeitgenössischer Musik zwischen Kontemplation und Experiment

Die Weimarer Cellistin Christina Meißner bringt mit schöner Regelmäßigkeit alte und neue Musik in beziehungsreich kreierten Solo-Programmen zusammen. Ihre aktuelle Auseinandersetzung mit Hildegard von Bingen verkörpert gleich in doppelter Weise einen Gegenentwurf zur momentanen Reizüberflutung in Leben und Kunst: Meißner hat zum einen Gesänge der komponierenden Universalgelehrten atmosphärisch gewinnbringend für ihr Instrument eingerichtet. Diese bilden dann in „Ispariz“ („Geist“ in Bingens „Lingua Ignota“) die spirituelle Basis für kontemplative Auftragswerke. Die tauchen tief in die Klangformung ab, ohne dabei in Stereotypen „unkonventioneller“ Artikulation zu verfallen. Der schwedische Komponist Esaias Järnegard verbindet in „à Sibyl – Mone“ (2019) Augenblicke musikalischer Ekstase mit schamanischem Einsatz der Stimme zu einem quasi archaischen Klangritual. Die schon dort elementaren Gesten an den Rändern der Wahrnehmbarkeit werden auf die Spitze der Dünnhäutigkeit getrieben in Martin Rane Baucks „The air from afar“ (2018). Auch Lisa Streich ist bekannt für ihre spirituell inspirierten Klangdramaturgien: „FLEISCH“ (2017) widmet sich mit harten perkussiven „Nagel“-Schlägen, schreienden Eruptionen und fiebrigen Obertongeweben der Kreuzigung als Schmerzzustand, an dessen Ende in fahlen Dissonanzen die Entrückung steht. Ein Werden und Vergehen brüchiger Oberton-Klanginseln bestimmt auch „I am a clock“ (2018) von Joseph Andrew Lake, ein Ein- und Ausatmen von Klang in völliger Entzeitlichung, das minimalistischer kaum denkbar ist. Über allem aber schwebt der visionäre Geist der Lobgesänge Hildegard von Bingens, Einladungen zur Kontemplation, deren zerbrechliche Mischwesen aus Ton- und Geräuschklang Christina Meißner so intensiv und zugleich mikroskopisch ausdifferenziert spielt, dass man jede einzelne Faser der „Materie“ Cello zu hören glaubt.

Karfunkel 142

Barbara Stühlmeyer

In Dir singt und spielt der Heilige Geist
Neue Zugänge zu Hildegard

Ispariz ist ein Wort aus der Lingua ignota, der unbekannten Sprache Hildegards von Bingen, der sechste in der Reihe jener Begriffe, die Hildegard, die auf so vielfältige Weise Lichtnetzwerke aus Worten und Tönen wob, kreierte. Geist, Heiliger Geist steht nach Gott, Engel, Heiliger, Erlöser und Teufel und vor Mensch. Schon mit dieser Ordnung macht die Visionärin klar, in welchem Bezugsfeld menschliches Leben sich abspielt. Hildegards Schriften sind schauende und sprechende, ihre Musik klingende Theologie. Und genau dies wird auch in der vorliegenden Doppel CD deutlich, auf der Christina Meißner, renommierte Cellistin, mit ihrem Instrument nicht nur Kaskaden differenzierter Tonwelten hervorbringt, sondern Räume schafft, in denen klangliches Erleben neue Welten öffnet. Auf zwei Tonträgern kombiniert Meißner Hildegards Werke, die dem Cello natürlich sind, weil dessen der Stimme so eng verwandter Klang ihre Umsetzung geradezu zwingend nahelegt, mit zeitgenössischen Kompositionen. Deren oft hochkomplexe Textur verträgt sich auch deshalb so gut mit dem Oeuvre Hildegards, weil ihre Gesänge als klanggewordenes Gebet fokussierende Kraft entfalten, kristallisiertes Leuchten ausstrahlen, das in das Weite Land der Seele führt. Tatsächlich wird in Meißners Spiel – einer kongenialen Umsetzung eines Wortes aus Hildegards Gesängen: „in dir singt und spielt der Heilige Geist, denn du bist den Chören der Engel zugesellt“ – die enge Verwandtschaft der von ihr präsentierten Werke deutlich, die ihre Wurzeln in der Spiritualität haben. Dies gilt für Sofia Gubaidulinas „Aus den Visionen der Hildegard“, dessen Entstehungsprozess für die russische Komponistin wie ihr tonschöpferisches Tun überhaupt, Gebet war, ebenso wie für die von Meißner in Auftrag gegebenen Werke von Esaias Järnegard, Martin Rane Bauck, Lisa Streich und Joseph Andrew Lake. Das neue CD Projekt von Christina Meißner heißt nicht nur „Ispariz. Eine Vision“, es verkörpert tatsächlich eine – gottlob hörbare – Vision einer Art des Musizierens, die hochkünstlerisch und zugleich nicht artifiziell, sondern vollkommen natürlich ist, da Meißner auf eine tiefe Weise von innen her durchdringt, was sie spielt und so selbst zum Instrument der Werke wird, die sie gemeinsam mit ihrem Cello erklingen lässt. Das Ergebnis ist faszinierend, inspirierend und zeigt deutlich, warum Kultur zu jeder Zeit, aber gerade heute Not-wendig ist: sie öffnet die irdische Wirklichkeit für die Kraft des Geistes – Ispariz.

MDR KULTUR Spezial am 25. Mai 2020

Claus Fischer

Und jetzt, Claus Fischer, was ganz Spezielles, eine Doppel-CD für Solo-Cello mit ausschließlich Neuer Musik…gewagt…

CF
Ja, das hat mich zunächst auch sehr verwundert! Also ich dachte mir, als ich das Album in Händen hatte, ob das wirklich geht? Also verkaufstechnisch ist es sicher recht gewagt, was das Altenburger Label querstand da gemacht hat, aber inhaltlich absolut faszinierend! Solistin ist die Cellistin Christina Meißner, die in Weimar zuhause ist, und die sich in letzten zwanzig einen sehr guten Ruf als Interpretin von Gegenwartsmusik erworben hat. Und die hier nun ihr erstes Solo-Konzept-Doppel-Album vorlegt, Titel ISPARIZ…

Mod
Was heißt das und was ist das Konzept?

CF
Ispariz kommt aus dem okzitanischen und bedeutet so viel wie „Geist“, also „Esprit“ kommt auch daher. Ja, und Christina Meißner hatte eine Vision. Sie hat nämlich visionären Gesänge der Nonne und Kirchenlehrerin Hildegard von Bingen aus dem 12. Jahrhundert ausführlich studiert. Das sind natürlich Gesänge auf Lateinisch für Frauenstimmen, also Gregorianischer Choral, zum Teil auch schon früh mehrstimmig. Und Christina Meißner kam nun auf den Gedanken, diese Gesänge für Solo-Cello zu bearbeiten und aufzuführen. Und die ziehen sich wie ein roter Faden durch diese CD…

Mod
Und das funktioniert wirklich?

CF
Absolut! Ich war selbst auch eher skeptisch, da ich als großer Freund mittelalterlicher Musik eigentlich Purist bin, also Bearbeitungen, noch dazu für moderne Instrumente, sind mir eigentlich suspekt. Aber Christinas Meißner trifft den Ton Hildegards perfekt. Fünf Gesänge bilden den roten Faden für die CD, die dazu sechs Werke von Gegenwartskomponisten enthält. Also ich würde mal den Hildegard-Gesang mit Christina Meißner vorstellen, der mich beim Hören am meisten beeindruckt hat: O eterne Deus, O ewiger Gott.

Spezial Musik Klassik 3 ISPARIZ - Hildegard von Bingen (2:25)

Mod
Eine Frau, ein Cello und eine mittelalterliche Komponistin – Christina Meißner spielte ein Werk von Hildegard von Bingen, zu finden auf der neuen CD mit dem Titel ISPARIZ…

CF
Unglaublich beeindruckend! Man denkt an einigen Stellen, dass da zwei oder drei Celli zusammenspielen. Also Christina Meißner singt mit ihrem Bogen mehrere Stimmen quasi, das Cello ist ja ein Instrument, mit dem man ganz wunderbar singen kann, das haben mir mehrere Cellisten im Interview schon bestätigt. Und diese Hildegard-Bearbeitungen sind allesamt absolut hörenswert, bei mir verursachen sie an einigen Stellen Gänsehaut…

Mod
Nun ist das Ganze ja eine Doppel-CD. Sie sagten, Claus, die Gesänge ziehen sich als „roter Faden“ durch, was ist sonst noch zu hören?

CF
Ein ganzer Kosmos an modernen Werken für Solo-Cello, größtenteils Werke, die für Christina Meißner komponiert worden sind. Die würden den Rahmen dieses Spezials zeitlich und auch stilistisch leider sprengen. Aber sie zeigen, was Christina Meißner mit ihren Hildegard-Bearbeitungen erreichen will, nämlich zwischen diesen modernen Werken Ruhepunkte zu schaffen, in denen sich der Hörer erholen kann und sich für neue experimentelle Klänge öffnen kann, und das funktioniert, finde ich sehr gut…

Mod
Dann bitte noch ein paar experimentelle Klangeindrücke…

CF
Gerne! Es gibt ein Werk auf der CD, das nur eine Minute lang ist, von der Komponistin Lisa Streich, es heißt Kolon, also Doppelpunkt, und das zeigt schon, dass es danach weitergeht, also ein Gedankensplitter, und den hören wir jetzt.

Spezial Musik Klassik 4 ISPARIZ - Lisa Streich, KOLON (1:00)

Mod
„Kolon“, eine Komposition von Lisa Streich mit der Weimarer Cellistin Christina Meißner, die CD heißt ISPARIZ und ist beim Label querstand in Altenburg erschienen.

Deutschlandfunk

Redaktion: Frank Kämpfer
Die Neue Platte/Neue Musik
Autorin: Yvonne Petitpierre

Sonntag 19. Juli 2020 / 9:10 Uhr

ISPARIZ – eine Vision
Christina Meißner, Violoncello und Arrangements

Mystische Klänge
Ein Cello erkundet Hildegard von Bingen

Als Kultfigur des Mittelalters prägt die Universalität der Hildegard von Bingen auch die Musikgeschichte. Ihre Lieder und Gesänge haben die Cellistin Christina Meißner zu einem Projekt inspiriert, dass an die Zeitlosigkeit der Mystikerin appelliert und gleichzeitig Komponisten der Gegenwart zu einer Stellungnahme auffordert. Beim Label Querstand ist soeben die ungewöhnliche Doppel-CD Ispariz – eine Vision erschienen.

Am Mikrophon Yvonne Petitpierre. Hildegard von Bingen, 1098 geboren, gilt bis heute als eine von Mythen umrankte Erscheinung in der deutschen Geschichte. Ihr visionäres Charisma und ihre aktive Teilnahme am öffentlichen, politischen und kirchlichen Leben scheint beispielhaft für die Emanzipation der Frauen. Als Universalgelehrte überschreitet sie Grenzen, die ihr als Frau von der patriachalen Kultur des christlichen Mittelalters gesetzt wurden. Mensch, Umwelt, Leib und Seele, alles steht laut Hildegard in stetiger Verbindung zueinander und darin wurzelt ihre immerwährende Aktualität. In ihrer spirituellen Gedankenwelt spielt auch die Musik eine maßgebliche Rolle, der sie sich als Autodidaktin zeitlebens intensiv gewidmet hat. Musik begreift sie als Suche des Menschen nach der Stimme des heiligen Geistes.

Jenseits der Zeitgrenzen

„Ich verfasste und sang Lieder und Melodien zum Lobe Gottes und der Heiligen ohne die Belehrung eines Menschen, obwohl ich niemals Neumen und Gesang erlernt hatte“, so das Selbstzeugnis der einstigen Äbtissin des von ihr gegründeten Benediktinerinnen-Klosters Ruperstberg. Als vielseitige und weitsichtige Geistliche appellierte sie stets an die Selbstverantwortlichkeit des Menschen. Gesang steht für sie in unmittelbarem Kontext der Gottesverehrung und ist immer auch Teil göttlicher Eingebung. Die Cellistin Christina Meißner fühlte sich inspiriert, diesen Geist, also ISPARIZ zu bewahren und auf die aktuelle Zeit zu übertragen. Vor diesem Hintergrund hat sie unter dem gleichnamigen Titel ISPARIZ - eine Vision ein Projekt konzipiert, in dem sie Gesänge der Hildegard von Bingen für Violoncello arrangiert und mit Musik der gegenwärtigen Komponistengeneration konfrontiert hat. Mit ihrem Rückgriff auf die mittelalterlichen Gesänge möchte Christina Meißner einen Gegenpol zur oft hochkomplexen zeitgenössischen Musik bilden. Die Nähe des Cellos zur menschlichen Stimme haben ihr die Arrangements nahegelegt, für deren Konfrontation sie diverse Kompositionen in Auftrag gegeben hat. Alle Werke werden hier als Weltersteinspielung in klanglich sinnlicher Interpretation und exzellenter Aufnahmequalität vorgestellt. Die CD eröffnet mit dem Gesang O frondens virga, dessen Text die Ehrfurcht des Menschen vor den Wundern der Schöpfung und Natur thematisiert. Musikalisch dominiert eine schlichte Melodie, die im Arrangement durch Christina Meißner noch intensiviert wird.

Ein erster Gegenpol zu diesen Raum greifenden Klängen kommt von Sofia Gubaidulina. 1994 und 2019 hat sie aus einer gefühlten Seelenverwandtschaft das Stück Aus den Visionen der Hildegard von Bingen für Alt solo komponiert und als einziges Werk dieser CD handelt es sich hier um keine Auftragskomposition. Die mental empfundene Nähe zur Universalgelehrten markiert nach eigenen Aussagen eine grundsätzlich zentrale Antriebsfeder für Gubaidulina’s künstlerisches Schaffen, denn „Komponieren ist für mich eine Art Gottesdienst. Komponieren heißt beten“. In ihrem Schaffen richtet sich der Blick häufig auf existentielle Fragen, wenn sie ein „Spannungsfeld aus expressiver Kraft und vertonter Stille eröffnet“, so Egbert Hiller im ungewöhnlich umfangreich informierenden Booklet zur Doppel-CD. Hildegard von Bingens kompositorischer Gestus diente Gubaidulina dabei als Ansatzpunkt. Die Vision als zentrales Moment spiritueller Erfahrung gestaltet sie in visionär konzipierten Klängen, die sie ihrem Komponistenkollegen Alfred Schnittke zu dessen 60. Geburtstag widmet.

Klang als Form der Existenz

Die, in Weimar lebende Cellistin Christina Meißner sucht für ihre Programme vorzugsweise nach grenzüberschreitenden Verbindungen zwischen alter und neuer Musik, die fasziniert und in den Bann ziehen kann. Mit Ausnahme des, sich explizit auf Hildegard von Bingen beziehenden Stückes von Sofia Gubaidulina, sind alle anderen Kompositionen innerhalb der letzten drei Jahre im Auftrag der Solistin entstanden
Ein Spiel mit unterschiedlichen Gegensätzen reflektiert der schwedische Komponist Esaias Järnegard, Jahrgang 1983 in seinem Cellostück à Sybil –Mōnë. Im Zentrum stehen Konfrontationen von existierenden Zuständen, die er zu verbinden sucht. Hoffnung und Trostlosigkeit oder Resignation und schreiendes Aufbegehren begegnen hier dynamisch variantenreich. Acht kurze Sätze fügen sich zu einem Ganzen. Klänge, die Järnegard als Zustand des Seins begreift, erkundet er hier in geheimnisvollen Räumen, in denen „Vergangenheit und Gegenwart durch die Hände und den Cellokörper der Interpretin ins Schwingen geraten sollen“.
Der Komponist will so eine mystischere und ursprünglichere Sphäre betreten. Neben dem Cello kommt hier auch Christina Meißners eigene Stimme zum Einsatz.

Die Dramaturgie der klangintensiven Einspielung, die trotz hochkontemplativer Momente auch mit dynamisch exzessiven Ausbrüchen konfrontiert, integriert erneut ein Lied der Hildegard von Bingen, das sich dem Lob Gottes verschreibt. Aer enim volat überträgt Christina Meißner mit großer auratischer und klanglich dichter Intensität auf das Cello, um den Atem als Lebensspender hörbar zu machen.

Nicht greifbar

Nach diesem atmosphärischen Moment greift die Cellistin auf eine Komposition des Norwegers Martin Rane Bauck, Jahrgang 1988 zurück. Sein Interesse gilt neben Texten von Franz Kafka der elektronischen Klangerzeugung, die er auf akustische Instrumente überträgt. The air from afar, so der Titel, arbeitet mit fixen Tonhöhen sowie Geräuschen, wobei das Cello husten, atmen und singen soll. Hildegard von Bingens Überlegungen zum Wesen der Musik lieferten ihm für das Stück einen wichtigen Impuls. Im Geräusch der Klänge möchte er für sich die Möglichkeit entdecken, mit fernen Liedern, fernen Stimmen, ferner Luft und einem mythischen Ursprung in Kontakt zu treten.

Zwischen Kreuzigung und Erlösung

Die schwedische Komponistin Lisa Streich, 1985 geboren, versucht ihrer tief empfundenen Spiritualität auf klanglicher Ebene Gestalt zu geben. Für das Projekt ISPARIZ, eine Vision, an dem sie auch hinsichtlich der beteiligten Komponisten beratend mitgewirkt hat, präsentiert sie zwei Kompositionen, die Stellung beziehen. Unter dem Titel Fleisch fasst sie Aspekte der Kreuzigung mit äußerst eindringlich pochender Intensität und lässt den Schmerz geradezu physisch erlebbar werden. Nach eigenen Aussagen versucht Streich „sich auf die Schnittstelle zwischen menschgewordenem Fleisch und metallenem Nagel zu konzentrieren“. Gegen Ende lässt ihre zunehmend zarter werdende Musik aber auch Kontemplation und Raum für eine Art Trost erkennen.

Ein Moment entscheidet

Im Mittelpunkt der zweiten CD dieses Doppelalbums steht das knapp 30 minütige Werk I am a clock des 1979 in Amerika geborenen Joseph Andrew Lake. Seine Kompositonssprache fokussiert vor allem den innermusikalischen Prozess einzelner Klänge zwischen Er- und Verklingen. Bookletautor Egbert Hiller verweist auf Lake’s unbeirrbare Geduld, mit der er „in Gefilde beständigen Suchens eintrete, um an jedem Punkt der Entstehung eines Stückes durch genaue Kontrolle und geistige Reflexion aus der Vielfalt der Möglichkeiten die einzig richtige herauszufiltern“. Seine Komposition beschreibt Christina Meißner als Zeitlupenakrobatik. Alles wirkt beinahe statisch und entwickelt in metrischen Rastern einen meditativen, fast sogartigen Gestus.

Soweit abschließend noch ein Ausschnitt aus I am a clock von Joseph Andrew Lake Vorgestellt wurde Ihnen heute das Projekt ISPARIZ-eine Vision von und mit der Cellistin Christina Meißner. Liturgische Gesänge und Melodien zum Lobe Gottes aus der Feder von Hildegard von Bingen werden auf dieser CD mit zeitgenössischen Auftragswerken kombiniert.
Alle Werke sind als Weltersteinspielung beim Label Querstand, der Verlagsgruppe Kamprad erschienen. Sie hörten einen Beitrag von Yvonne Petitpierre. Unter www.deutschlandradio.de können Sie diese Sendung noch 7 Tage lang nachhören. Oder darüber hinaus auf dieser Soundcloudseite:
https://soundcloud.com/christina-meissner/isparizdlfyvonne-petitpierre

TEMPO

Juli Zhu

Spirit. Or Ispariz, in Hildegard von Bingen’s invented language. Reader: allow a sincerity this once—there really is that intangible, the shadow of the invisible in Christina Meißner’s album of solo cello music. Beautifully mastered, dancing between Meißner’s own transcriptions of Hildegard’s twelfth-century vocal music and the sonic physicality of newly commissioned pieces, ISPARIZ. eine Vision is an extraordinary performance as well as an irenic, crafted experience.

The album is treated as such: one holistic artwork. From the first piece to the last, each Hildegard transcription creates space for the next new work, which echoes the Hildegard that just left our ears. All of which is of course intentional—Meißner communicated to the composers the specific Hildegard songs that perfumed her world. Et voilà, a through line of inspiration was established at the very beginning of the compositional process.

The first recording is Hildegard’s O frondens virga (O blooming branch) that literally bloomed in its large acoustic, ornamented by peripheral bird sounds around the gothic Løgumkloster Kirke in Denmark. The leaps in the song push and explore the massive space, the correct setting to allow the majesty in ancient music to breathe, while the bird sounds ground our imagination in a specific place, obviously existing in our current time—straddling old and new.

Next is Sofia Gubaidulina’s Aus den Visionen der Hildegard von Bingen, written in 1994 for Alfred Schnittke, which retains the same initial leap in the Hildegard, but it expands from the vocal range to the sonic realms of the cello, leaping larger and larger intervals, from the lowest notes of the cello to almost pious harmonics. Long leaps are metaphorical of faith, in divinity or simply in the cellist’s ability to grab onto the note. In the performance, one hears Meißner’s embodiment of the piece, the confidence and knowing, which she jokingly describes as being “a bit drunk in the hand.”

In the third piece titled à Sibyl – Mǒnē, by Esais Järnegard, the timbre is expanded even further with a palette of extended technique and the introduction of Meißner’s voice. Continuous glissandi between microtones in the lowest register echo the melismas of plainchant. It appears that this particular piece was closer mic’ed, picking up elements of the body—cello and human— hair, skin, wood. The guttural circular bowing around the bridge delves into explicit materiality, while also forcing the higher overtones to sparkle over the texture.

This trio of pieces is a perfect introduction to the album. Together, they first offer the space, context and architecture, then they open up the pitch material, and finally, they give way to density and texture, arriving at a world where reverberation and repetition rise above rhythmic variation, where one has to submit to an exposed pulse.

Closing out the first CD are two pairs of pieces, forming a direct dialogue between Hildegard and newly composed pieces. Martin Rane Bauck’s The air from afar is based on Hildegard’s Aer enim volat (for the air is fleet) and about “putting oneself in contact—through the noise of noise—with distant music, distant songs, distant voices, distant air—with a mythic beginning, and with the 12th-century hymn of Hildegard.” The piece is a series of exhalations, brisk upbows with marvelous momentum. The dry agility of the bow is apparent in the recording—it becomes like breath. The delicacy of hair is juxtaposed by the other side of the bow in the next piece. Lisa Streich’s FLEISCH starts with the wood of the bow hitting muted strings with fortissimo. Seemingly an extreme prolation of Hildegard’s O splendidissima gemma (O jewel resplendent), the repetitive battuto beating forces the listener to tune their ears to the changing higher overtones, convincing the percussive hit to lie instead in a place of meditation. During performance, Meißner’s lifted or dropped head indicates the transformation from internal to external, from playing for oneself to playing for the world. Again, the exquisite curation comes through in this quartet of pieces, from the transition between The air from afar and FLEISCH to the bookending Hildegard songs.

The second CD is another such quartet, beginning and ending with Hildegard songs, and in between, Joseph Andrew Lake’s I am a clock, and a second Lisa Streich, the miniature, coda-like KOLON. At just over 26 minutes, I am a clock is the centerpiece of the second half of the album and relies upon the sonic baptisms of the first half. The first note is held for exactly 60 seconds, and for the rest of the piece—almost entirely made up of dyads whose lengths are determined not in beats but by the length of bow and dynamics—time passes as events do in nature: constantly yet not always consistently. While sharp rhythm grabs, this alternative, stochastic meter lets go. There is a natural ebb and flow—one comes to it, as it does not seek attention. In live performance, however, there is the curiosity of the bow playing above the left hand nearer the nut, or between the fingers of the left hand, which unfortunately cannot be shown in a CD. It is appropriate that I am a clock feels like the culmination of an album—there’s an interiority present that seems to be Meißner’s overall message.

According to Meißner, the highest validation is when after a concert of the album, often in the same considered order, the audience does not clap after the last piece, Hildegard’s O eterne deus. They do not react, still internalizing. I am similarly stunned, and cannot recommend this album enough. To discover such mature compositional voices and ardent performance on an unfamiliar label—for that I am grateful. I hope more albums adopt Meisßner’s approach, pairing old with new, with the same studied attention to extramusical space and purpose.

Neue Zeitschrift für Musik

Torsten Möller

When! – Christina Meißner, Cello solo. Werke von Isang Yun, Peter Eötvös, Adriana Hölszky, Salvatore Sciarrino, René Mense, Bernd Alois Zimmermann und Klaus Huber. Querstand VKJK 1415

Isang Yun, Peter Eötvös, Adriana Hölszky oder Klaus Huber: die Namen sind bekannt, klingen gängig. In Zeiten, in denen jeder ums Besondere kämpft, in denen das bloße Ereignis an die Stelle etwaiger Qualitätsfragen rückt, wird so eine Neuerscheinung vielleicht achselzuckend zur Kenntnis genommen. Frei nach dem Motto: Es sind eben alt gediente Damen und Herren, zwar nicht ganz aus einem „schlechten 19. Jahrhundert“, aber doch aus Zeiten, als man noch an so etwas wie Weltverbesserung und Marxismus glaubte.
Schon mit den ersten Takten sollte es mit den Klischees vorbei sein. Wunderbar dieser Einstieg mit den so leise wie trocken gezupften Impulsen aus Isang Yuns Glissées! Sie nehmen den Hörer gleich an die Hand, nehmen ihn mit auf eine Reise, die horrend Virtuoses bietet (Touch... Windows von René Mense), ausgesprochen Poetisches inklusive gesprochener Sprachpassagen (Two Poems to Polly von Peter Eötvös), schrundige Miniaturen (Nouns to Nouns II von Adriana Hölszky) wie dezent gewischte Töne, die in Salvatore Sciarrinos Al limite della Notte [An den Rändern / Grenzen der Nacht] besondere atmosphärische Welten eröffnen.
Christina Meißner hat schon Johann Sebastian Bachs Cellosuite d-moll BWV 1008 faszinierend eingespielt. Obendrein kennt sie sich als Mitbegründerin des Weimarer Ensembles klangwerkstatt bestens aus mit zeitgenössischer Musik mitsamt ihren besonderen Bedürfnissen. Mit Isang Yun arbeitete sie schon zusammen, mit Helmut Lachenmann und Adriana Hölszky. Solche Erfahrungen kulminieren in jedem Ton. Selten hat man Isang Yuns vielfältigen Tonmodifikationen so differenziert vernommen. Gen unendlich tendieren die feinen Unterschiede der Vibrati in Glissées, stets kontrolliert wirken die vielen dynamischen Schattierungen. Bei allen Stücken kommt der besondere Ton Meißners zum Ausdruck. Es ist ein narrativer Ton ohne Härte, mit einer warmweichen Flexibilität, die bei zeitgenössischen Cellospezialisten ihresgleichen sucht.
Die im Label querstand, dem Klassiklabel der Verlagsgruppe Kamprad publizierte CD wurde nicht in Rundfunkstudios eingespielt, sondern speziell für die eigenen Bedürfnisse in einem Privatstudio in Jena. Dem Tonmeister Harms Achtergarde dankt Meißner für seine „einsatzstarke Liebe und Genauigkeitskraft zum musikalischen Ideal“. Beides trifft auch auf sie selbst zu. So wurde when! zu einer CD, die höchsten Repertoirewert vereint mit einem Maßstab setzenden technischen wie interpretatorischen Niveau. Bei drei Stücken (Rauhe Pinselstriche von Klaus Huber, touch... windows von René Mense, Al limite della notte von Salvatore Sciarrino) handelt es sich übrigens um Ersteinspielungen. Vielleicht kommt so ja auch der „Neuheitsfanatiker“ auf seine Kosten.

Musik: 5
Technik: 5
Booklet: 4

NMZ (neue musikzeitung)

• Max Nyffeler*

Die Cellistin Christina Meißner, Mitbegründerin der Klangwerkstatt Weimar, legt eine Solo-CD mit Werken aus dem ausgehenden 20. Jahrhundert vor. Sie schlägt einen Bogen von Bernd Alois Zimmermanns „Vier kurzen Studien“ und Isang Yuns „Glissées“, beide von 1970, über Sciarrino, Klaus Huber und Adriana Hölszky bis zu den „Two Poems to Polly für sprechende Cellistin“ von Peter Eötvös und zu „touch … windows“, neun funkelnden Mikroorganismen des Hamburgers René Mense. Eine gut durchdachte und farbige Auswahl. Der stilistischen Vielfalt begegnet die technisch versierte Interpretin mit der Überlegenheit einer Musikpersönlichkeit, die die Partituren nicht als avantgardistische Spezialfälle herunterbuchstabiert, sondern mit Leben erfüllt. (querstand VKJK 1415)

Bayerischer Rundfunk

Helmut Rohm, 1. Juli 2008

Musik für Violoncello solo mit einen höchst außergewöhnlichen Programm:

…eingespielt von der bemerkenswert vielseitigen Cellistin Christina Meißner, die in Weimar und Prag ausgebildet wurde. Auf ihrer neuen Silberscheibe hat die Künstlerin ein Repertoire eingespielt, dessen Stücke im Verlaufe der unglaublichen Spanne von fast 1000 Jahren entstanden sind. Die jüngste Komposition wurde 2001 geschrieben von Elliott Carter, dem Nestor der amerikanischen Gegenwartsmusik, der heuer noch seinen 100. Geburtstag feiern wird. Außerdem enthält das Programm die sechste Cello-Suite von Johann Sebastian Bach und eine faszinierende Solocello-Sonate von Artur Schnabel, dem in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts weltberühmten Pianisten… anonym überlieferte Minnelieder, deren Melodien im 11. und 12. Jahrhundert entstanden sind. Der junge Hamburger Komponist René Mense hat sie mit viel Geschick für Violoncello solo arrangiert.

Frankfurter Allgemeine

Elleonore Büning, 2. Juni 2008

„Wild“ Kein Cellist kommt auf Dauer an Bachs Solosuiten vorbei. Jetzt hat auch Christina Meißner ihrem dritten Album eine einverleibt, die sechste in D-Dur BWV 1012... Aber Bach ist Zugabe, nicht Hauptattraktion dieses „trouvailles“ getauften Konzeptalbums. In Stücken der Jetztzeit, die dazu kombiniert sind – Elliott Carters Hommage an Charles Ives, René Menses Adaptionen von französischen Troubadourliedern – kann Meißner, die als Mitglied und Mitbegründerin des Ensembles klangwerkstatt weimar mit neuer Musik hervorragend vertraut ist, ihre Stärken ausspielen. Das Prunkstück unter ihren Fundstücken für Cello solo ist die satztechnisch komplexe, zugleich hochvirtuose Sonate, die der Pianist Artur Schnabel 1930 komponiert hat. Eine wilde Mischung.

Radio Bremen

Marita Emigholz, 27. Mai 2008

„Trouvailles“ hat die in Weimar lebende und dort und in Prag ausgebildete Cellistin CM ihre CD mit Solostücken genannt: Fundstücke. Eröffnet wird diese CD mit Musik der Trouvères, mit Minnesang, den René Mense für Violoncello solo bearbeitet hat. Das französische Verb „Trouver“ bedeutet sowohl finden als auch erfinden, und was der Trouvère Jehans de Braine mit seinem „Par desous lómbre dún bois“ gefunden hat, kann sich auch in der Bearbeitung für Cello solo hören lassen… CM’s Repertoire umfasst – so auch auf der „Trouvailles“-CD – alte und neue Musik. Von dem amerikanischen Komponisten Elliott Carter sind die beiden „Figment“-Stücke von 1994 und 2001 zu hören, und von Artur Schnabel, der 1898 als Sechzehnjähriger von Wien nach Berlin gezogen war, um dort sein Glück als Pianist zu suchen, die Sonate für Violoncello aus dem Jahr 1931. Seine Pianistentätigkeit diente Schnabel als Brotberuf, im Komponieren hingegen, mit dem er schon als Sechsjähriger begonnen hatte, sah er den eigentlichen Ausdruck seines Musikverständnisses. Der zweite Satz seiner Cellosonate beginnt folgerndermaßen… Bearbeitungen von mittelalterlichen Trouvère-Liedern, die beiden „Figment“-Stücke von Elliott Carter, die Sonate für Violoncello solo von Artur Schnabel und die sechste der Cellosuiten von Johann Sebastian Bach sind auf der CD „Trouvailles“ von der Cellistin CM zu hören. Sie ist bei HOROS erschienen und eine äußerst gelungene Hommáge an das Instrument Violoncello, wie das zum Beispiel auch die Sarabande aus der sechsten Cellosuite von Johann Sebastian Bach belegt…

MDR Figaro

Dr. Michael Oehme, 28. April 2008

Mit der „Trouvailles“ („Glückliche Erfindungen“) betitelten CD gibt die in Weimar wirkende Cellistin Christina Meisner musikalische Liebeserklärungen ab, die an die Musik selbst, an unsere Gefühle und an die Ausdrucksmöglichkeiten ihres wunderbar wandelbaren Soloinstruments gerichtet sind. Die anspruchsvolle Zusammenstellung reicht von südfranzösischen Minneliedern über Bach bis hin zu Elliot Carter. Eine besondere Entdeckung dabei ist die Sonate für Violoncello solo des berühmten Pianisten Arthur Schnabel.

Fonoforum

Dezember 2005

Herb konzentriert

Benjamin Brittens Cellosuiten verdanken sich der Freundschaft des Komponisten mit Mstislaw Rostropowitsch, der die drei Werke auch zur Uraufführung brachte. Geplant hatte Britten sogar noch drei weitere Suiten, und alle sechs sollten sie ein modernes Gegenstück zu den sechs Bachschen Solo-Suiten bilden. Hehre Größen also, die dieses Triptychon beschwört, denen es in seiner Vielschichtigkeit und Aussagekraft aber gerecht wird. Christina Meißner bleibt hinter dem hohen Anspruch nicht zurück. Ihre persönliche Lesart hat Format und ist von einer Herbheit und Konzentration, die aufhorchen lassen. Gewiss kann man die "Barcarola" der dritten Suite eleganter, das Andante lento der zweiten Suite inniger und die Fuga aus derselben Suite weniger strukturalistisch spielen, kaum aber bewegender. afri

Musik: 4 Sterne
Klang: 4 Sterne

crescendo-Zeitschrift

Dezember 2004/Januar 2005

Benjamin Britten: Cello-Suiten

Die von Benjamin Britten für Rostropowitsch komponierten drei Cello-Suiten gehören zum Kernrepertoire des 20. Jahrhunderts – entsprechend viele Aufnahmen gibt es auch davon. Schon einmal, vor gut drei Jahren, habe ich für crescendo eine davon besprochen, damals spielte sie Truls Mørk für Virgin Classics ein. Jetzt gibt es eine Aufnahme von Christina Meißner, die außer in Mitteldeutschland kaum bekannt ist, produziert beim kleinen Dresdner Label Horos. Welche Ungerechtigkeit! Im direkten Vergleich liegt Meißner klar vor Mørk, weil sie plastischer gestaltet und risikofreudiger ist. Mørk strebt maximale Klarheit an, Meißner staffelt deutlich in Vorder- und Hintergrund, was vor allem den Fugen zugute kommt. Sie hat mehr Mut zu Extremen, zu rauen Klangfarben und zu fauchenden Crescendi. Dass diese Suiten ein kraftvolles Spiel verlangen, verleugnet auch Mørk nicht, aber er bleibt merkwürdig blass. Ein eindrucksvolles Beispiel für die größere Gestaltungskraft von Meißner ist das Andante der zweiten Suite, in dem eine Kantilene mit einer Pizzikato-Begleitung konfrontiert wird, die rhythmisch quer zueinander stehen. Meißner lässt die Melodie trotzdem singen, während bei Mørk der innere Zusammenhang verloren geht. Wer also ist diese Christina Meißner? Das Booklet verrät nichts über sie. Ich hörte sie das erste Mal vor fünf Jahren in Berlin mit dem Ensemble „klangwerkstett weimar“, das sie 1993 mitbegründete, seit rund 20 Jahren tritt sie auch solistisch auf. Über das Alter, in dem neue Stars „entdeckt“ werden, ist sie also schon hinaus. Es sei jedem ans Herz gelegt, sie durch diese Aufnahmen für sich zu entdecken.

Peter Sarkar

Neue Zeitschrift für Musik

Mai/Juni 2003

Christina Meißner spielt Solowerke von Zoltan Kodaly, Johann Sebastian Bach und Isabel Mundry

Das Beglückende an dieser Solo-CD, welche die Mitbegründerin der « Klangwerkstatt Weimar» in der günstigen Akustik der Bethlehemskirche zu Dresden-Tolkewitz aufnahm, ist nicht leicht zu benennen. Jedenfalls entspringt es einer idealen Sinnesverwandtschaft von Komponist, Werk und Interpretin. Aus ihr entsteht eine unausgesetzte Spannung beim Hören, die den Eindruck bestärkt: So und nicht anders muss es klingen, so ist die Musik gemeint. Das klug komponierte Programm beginnt mit Kodalys wenig bekannter Sonata op. 8. Man weiß nicht, was man mehr bestaunen soll: Dass der Komponist sich über eine halbe Stunde lang mit dem Cello allein zu unterhalten vermochte, ohne dass ihm die Gedanken aus gingen? Oder dass die Cellistin im wechselvollen Ereignisfeld dieses Romans in drei Kapiteln den Atem behält? Allein die Liebe zum Klang wesen des Cellos macht's möglich. Bevor sie zu Bach kommt, widmet sich Christina Meißner dem knapp neunminütigen, episodenreichen Cellosolo (1997) von Isabel Mundry - ein Stück, das den Charakter des Instruments assoziativ austastet, wobei sie Altes und Neues, Offenes und Schließendes, Spontanes und Bedachtsames zu einer Art unendlichem Rezitativ ausspinnt. Das subtilste Vergnügen bereitet die Cellistin mit Bachs Suite Nr. 2 d-Moll BWV 1008, die sie in den latent mehrstimmigen Tanzsätzen zu höchster Wirkungskraft bringt.

Lutz Lesle

musikalische Wertung 5
technische Wertung 4
Repertoirewert 5
Booklet 2
Gesamtwertung 4

Weimar Kultur Journal Nr.2/2003

Cello barfuß

Eine gefällige Scheibe ist das nicht. Denn mal ehrlich: Wer legte aus rein privater Neugier eine Platte mit Solowerken für Violoncello in den CD-Player? Bachs Solosuiten - jawohl. Die schon. Aber moderne Musik? Oder ganz moderne? Das hört man sich, wenn überhaupt, im Konzert an, als notwendiges Beiwerk zum klassischen Hauptprogramm. Man nimmt es achselzuckend in Kauf, denn Quote muss sein - und ist dann bass erstaunt ob der Nachhaltigkeit unerahnter Hörerfahrungen. Ein solches Konzert ist die Aufnahme mit Christina Meißner, Ihre erste Solo-CD. Für die junge Weimarer Cellistin bedeuten Zoltán Kodály und Isabel Mundry nicht Quote, sondern Konzept. Und wer, wenn nicht sie, die auch als Mitbegründerin der „klangwerkstatt weimar“ seit 1996 neue Musik proklamiert, sollte den Mut aufbringen, im kommoden Tonträgermarkt aufzufallen?

Eine wundersame Verbindung stellt sich her zwischen der fotografischen Selbstdarstellung der Musikerin und ihrem Spiel. Unbekleidete Gliedmaßen umschlingen wie weiße Tentakel das Instrument. Nackte Füße. Das soll wohl heißen: Ihr Verhältnis zum Cello ist ein sinnliches. Dinge, die für die Kunst nicht wichtig sind, lässt sie gleich ganz weg. Schuhe zum Beispiel. Wie überhaupt jede Attitüde, die sie auf ihrer Suche nach dem Wesen der Töne störte. Kodály wird selten mit so viel Vitalität, Leidenschaft und Farbenreichtum vorgetragen. Seine Sonata op.8 fächert in ein Kaleidoskop des technisch Möglichen, erschließt aber mehr noch ein Universum expressiver Stimmungen. Ähnlich Bachs zweite Solosuite in d-moll: Hier wird mitnichten jeder Ton künstlich aufpoliert. Im Gegenteil, der sparsame Einsatz des Vibratos verstärkt den deklamatorischen Gestus. Ebenso schlicht wie ergreifend geht Meißner aufs Ganze, Gesamte. So gesehen ist ihr Solodebüt durchaus ein gefälliges – ein Auftritt sehr zum Wohlgefallen nicht nur dem Musikerkollegen, der längst weiß, dass Kodály und Mundry keineswegs kaukasische Ziegenrassen sind.

Ute van der Sanden

Thüringer Allgemeine

Wochenendbeilage vom 21.12.02

Cello zwischen Bach und Gegenwart

Der Bogen von Bach bis Kodály ist nicht so weit gespannt, wie man meinen könnte. Ein Cellobogen überwindet die Distanz spielend, erst recht, wenn Christina Meißner ihn führt. Die Weimarer Cellistin eröffnet ihr beim Label Horos erschienenes Solo-CD-Debüt mit Kodálys Sonata op. 8 und beschließt es mit Bachs Suite II d-Moll BWV 1008. Dazwischen liegen für sie keine Welten; die verbindende Kraft ist größer als die Distanz der Jahrhunderte zwischen Barock und ungarischer Avantgarde. Die Bezeichnung des Kopfsatzes der Kodály-Sonate nimmt sie genau; majestätisch, aber leidenschaftlich ist ihr Spiel, sie bringt die Kontraste zwischen fetten Akkorden und Pianissimo-Geflirre pointiert zur Geltung, ohne nach Effekten zu haschen. Zurückhaltender geht sie die Bach-Suite an. Ihre Interprtation ist zart und licht, manchmal fast zu verhalten, der Bogen wispert selbst da, wo er energisch sein dürfte. Dadurch aber gewinnt ihr Spiel eine Sensibilität, die besonders den Menuetts zugute kommt. Spannungsgeladen, manchmal verstörend, aber mit faszinierender Ausdruckskraft interpretiert Christina Meißner das Cellosolo von Isabel Mundry und spannt den Bogen weiter - hin zur zeitgenössischen Musik, die ihr als Mitbegründerin der "klangwerkstatt weimar" sehr nahe steht.

Frauke Adrians

Resonanz – Das Magazin der Hochschule für Musik FRANZ LISZT Weimar

Herbst/Winter 02/03

Weltenreise mit Zwischentönen

„eher aus dem Instinkt als aus dem Verstand, eher durch die Intuition als durch den Willen“ – mit dieser Introduktion lädt Christina Meißner zu ihrer ersten Solo-CD ein. Kodály, Mundry, Bach. Ihre bewußt gewählte Symbiose von Barock, Moderne und Klassischer Moderne ist erfrischend. Weil sie eben nicht den gewohnten Konventionen folgt. Aufmunternd für Saitenblicke. Also, wer kommt mit auf die Reise?

Kodály: Der großen epischen Form folgt Christina Meißner mit der ihr eigenen Sinnlichkeit und dramatischen Intuition. Tiefsonores Wollen pulst bei robustem Furioso. Aber auch hingebendes Lauschen. Klassische Virtuosität oder Aufbruch zu neuen Welten? Eine entscheidende Frage für dieses Werk?

Mundry formt den Weg eines Gedankens in Tonsprache. Unvermittelt, rückbesinnend, keine Logil oder doch? Hier zeigt die Mitbegründerin der "klangwerkstatt weimar" die Stärke ihrer leidenschaftlichen Experimentierfreudigkeit. Im überzeugenden Subito zeigt sich die große Palette ihrer Farbigkeit.

Bach: „Kein Cellist, der nicht an den Suiten seine Kunst erprobt…“ Ja, wahrhaftig. Im Bach spiegelt sich das Selbst der Persönlichkeit.

Wo Christina Meißner im Triplett von polyphoner Tonsprache, rhythmischem Duktus und melodischer Freiheit ihre Schwerpunkte setzt, mag jeder für sich hörend erkunden. Denn nicht Bach, sondern Meer...Weltenreise.

Claudia Buder

Booklet-Text

Den Bogen spannen Werke von Zoltan Kodály und Johann Sebastian Bach, Avantgarde aus dem Ungarn der untergehenden „K & K-Epoche“. Neun Jahre nach der Entstehung in der ton-angebenden „Universal Edition“ publiziert. Und die zweite der sechs Suiten des mitteldeutschen barocken Altmeisters. Über ein Jahrhundert lang nur in Abschriften für Spezialisten im Umlauf. Und ein Ideal für den ungarischen Reformator: „Bachs Musik ist eine Verdichtung deutscher Musik, wie sie keine andere Nation besitzt. Der deutsche Student, der seinen Bach kennt, braucht sich nicht weiter mit Volksliedern zu beschäftigen“, schreibt Kodály. Kodály ist sich bewusst, dass eine musikalische Identität nicht über die Kopie mitteleuropäischer Kunstmusik zu erreichen ist. Gemeinsam mit Béla Bartok erforscht er die nationale Musiktradition des Landes. Zieht seine Schlüsse zur Anlage von Musik. Auch in der großen Form. Wie der Sonate op. 8 für Violoncello solo. Nicht erst im Finalsatz Allegro molto vivace pulsieren kantige Rhythmen, packt konzentriertes melodisches Geschehen, gewonnen aus markanten Partikeln. Im Allegro maestoso ma apassionato und Adagio (con grand espressione) wirken sich die Ungleichmäßigkeiten gegenüber dem gewohnten Gestus auf die Brüche im klassischen Sonatenablauf, den Ereignisreichtum des Satzes, noch subtiler aus. Christina Meißners Darstellung arbeitet das Neue der Sonate auf eine Weise heraus, die sich erlauben darf, das Ereignishafte nicht zum Effekt zu missbrauchen. So genau sie der Partitur nachspürt, so wenig noten- und rhythmusgebunden erscheint die Impulsivität des Spiels. Die Einspielung ist eine Variante. Einzigartig. Denn eine Reise nimmt nie den selben Verlauf, folgte sie auch immer wieder den selben Wegweisern aus Notenköpfen, Spielanweisungen und dynamischen Zeichen. Die Zwischentöne lassen sich nicht in einem fließenden Ablauf sortieren, ohne ihre Seele zu verletzen. Christina Meißners Cello hastet atem-, fast stimmlos, hält inne, stockt, kommt wieder auf die Beine. Enthüllt Doppelbödiges, durchlebt eine ganze Biografie – oder auch nur einen einzigen Moment stärkster Eindrücke – mit einer ganz eigenen selbstbewussten Zärtlichkeit zu Instrument und Stück.

„Eher aus dem Instinkt als aus dem Verstand, eher durch die Intuition als durch den Willen“ kommt elementare, eigentliche Musik zustande. Ernest Bloch, 1917, in „Man and Music“.
Damit ist Komposition die Übertragung aktueller Musikalität in Chiffren. Und Interpretation die Rück-Destillation aus der Schriftform heraus. Intellekt, Stil, Aktualität – nichts mehr, aber auch nichts weniger als Elemente in einem Kreislauf, der Jahrhunderte überbrückt: Musik als einzige sich gleichzeitig immer wieder authentisch und vital realisierende Kunst.
Christina Meißner sperrt sich gegen Klassifizierungen. Alte Musik? Neue Musik? Musik! Trotz ihres ambitionierten Einsatzes und erstklassiger Kompetenz für das Zeitgenössische sieht sich die Mitbegründerin des Neue-Musik-Ensembles „klangwerkstatt weimar“ nicht als Spezialistin. Ihre erste Solo-CD entzieht sich den Kategorisierungen der Tonträgerindustrie. Bewusst, nicht gewollt. Nötig. Kodály, Mundry, Bach. Als Konzertprogramm durchaus legitim. Für die Kataloge dagegen gewagt. Widerstrebt dem Schubladendenken. Aber Christina Meißner will eben ihren Brückenschlag nicht aufgeben. Altes, Neues und Neuestes in Beziehung setzen. Es ist ein Hör-Werk geworden, ein Konzert auf Silberscheibe, das erst als Ganzes seine volle Wirkung ausstrahlt: Die Einheit von Musik, gebunden in der Wirkung von Musikalität, Intelligenz und Persönlichkeit. Gleich, ob in der Bethlehemkirche in Dresden-Tolkewitz – einer der ersten Kirchen-Neubauten in der DDR zu Beginn der 50er Jahre, in der die Aufnahmen entstanden sind. Oder im Konzertsaal. Life. In die pechschwarze Ruhe der nächtlichen Autobahnfahrt. Digital. Oder aus dem HiFi-Turm. Vorstellbar, wie Kodály und Bach untereinander korrespondieren, fern aller Klassizität. Die Suite Nr. 2 d-Moll, BWV 1008, ist eben gleichfalls alles andere als symmetrisch, schematisch. Das Menuett I alles andere als höfisch-cöthenisch galant. Die Courante wischt mit sensibler, gleichermaßen unmissverständlicher Geste den Gegensatz zwischen Tanz und Polyphonie beiseite. Die abschließende Gigue packt zu. Nichts ist selbstverständlich in der Interpretation. Kein Tempo läuft durch. trotzdem ist alles in Bewegung, schließt zueinander auf, zeichnet die Musik spannend entspannt in transparentem Fluss. Zwischen den beiden Eckpunkten der Einspielung liegt das von Isabel Mundry 1997 komponierte „Cellosolo“. Hier wird das Ausmaß der Künstlerpersönlichkeit der Interpretin ohrenfällig. Die Bindungen greifen. Isabel Mundrys Stück repräsentiert Aspekte der Herangehensweise Christina Meißners, noch vor dem Kennen- und Schätzenlernen der Musikerinnen, exemplarisch: „dem Weg eines Gedankens vergleichbar, der unvermittelt ebenso Neues enthalten kann wie Rückbezüge und dessen zeitlicher Verlauf keiner äußeren Logik folgt“, hat sie ihr Werk angelegt. Fast schon „romantisch“ vom Individualbezug als Idee. Das geschieht auf Grund einer transparenten, unprätentiösen, dabei stetig präsenten Architektur, aus dem Intuitiven heraus sich unweigerlich wieder spiegelnd. Nicht symmetrisch, sondern irgendwo. Wie sich alles Aufgebrachte irgendwo in der Biografie wiederfindet. Pointiert. Sprudelnd. Betrachtend. Leuchtend. Erinnerungen weckend. Gedanken-Musik, die besser noch auskommt, je unerklärter sie zu Gehör kommt. Gespielt mit impulsiver Frische, voller Persönlichkeit und Neugier, vom Wissen (um die Noten) und Leben (um den Augenblick) getragen. Sensibel und herzlich. Die Kombination greift in der Persönlichkeit ihrer Interpretin.
Alte Musik? Neue Musik? Packend. Sinnlich. Berührend. Musik!

Ralph Philipp Ziegler

Deutschlandfunk

Die neue Platte: Neue Musik
Sonntag, 28.12.2014
Frank Kämpfer

In Welten des Leisen und der Stille ist die nächste CD angesiedelt; sie bietet vier Kompositionen für die Kombination Violoncello und Orgel, die ungeachtet ihres je individuellen Charakters in ähnliche Richtungen weisen. Was sie technisch verbindet, ist die Vorliebe der vier UrheberInnen – wie Bookletautor Walter-Wolfgang Sparrer treffend beschreibt – für „meditativ tastende Gangarten“, so-wie für „geräuschhafte Klänge, oft an der Grenze zur Hörbarkeit“. Gemeinsam ist ihnen auch die Vision, so verschiedene Instrumente wie Violoncello und Orgel könnten im sakralen Raum dialogisieren wie zwei verschiedene Formen von Existenz. In ihrem Stück Augenblicke – Gebet favorisiert die Koreanerin Younghi Pagh-Paan das Streichinstrument; die Orgel liefert für dessen Aktionen den Klang-Raum. Angeregt durch eine Kierkegaard-Lektüre überträgt die Kom-ponistin das philosophische Denkbild vom „Glauben im Augenblick der Hin-gabe“ in Verläufe unterschiedlicher Dichte und Fließgeschwindigkeit. Die Ame-rikanerin Chaya Czernowin ließ sich für Gradual Edge von einem bildnerischen Objekt inspirieren; zwei hohlen Halbkugeln, die in ihrem Innern das Nichts, die Unendlichkeit suggerieren. Ihre Musik folgt dem Blick, Liegeklänge der Orgel und Cello-Glissandi suggerieren ein kaum vernehmbares, doch überdimensiona-les Rotieren. René Menses Fantasie und Variationen hingegen wirken nach innen gewandt, introvertiert; für Lisa Streich wiederum ist das Fragile, kaum Merkliche Realität. Die junge Schwedin hat ihr Stück Seraph ihrer damals noch ungeborenen Tochter gewidmet; beider Kommunizieren beim Wachsen des Lebens erfährt musikalisch Entsprechung: Durch einzelne Gesten zunächst des Violoncellos – Streich nennt sie „akustische Flügel“ – die eingebettet sind in eine Art Schwebezustand, den ein leiser, in der Zeit gestreckter Orgelchoral sug-geriert. Christina Meißner (Violoncello) und Paul Skølstrup Larsen (Orgel) ha-ben das Stück im Sommer 2014 in der Peterskirche in Görlitz uraufgeführt.

Neue Musik Zeitung

10.02.15
Max Nyffeler

Cello und Orgel, wie passt das zusammen? Sehr gut, hört man sich die vier Werke an, die die Cellistin Christina Meißner angeregt und zusammen mit Poul Skjølstrup Larsen und Reinhard Seeliger eingespielt hat. Bei Chaya Czernowin führt der instrumentale Dialog in unheimliche Dunkelsphären, während Younghi Pagh-Paan, angeregt durch ihre Kierkegaard-Lektüre, eine mystische Innenwelt eröffnet, in der Dramatik und Entrückung zur Einheit verschmelzen. Ihr Stück, wie dasjenige von Czernowin ein dänischer Auftrag zum 200. Geburtstag Kierkegaards, ist der gewichtigste Beitrag auf dieser ungewöhnlichen CD. René Meese setzt demgegenüber mehr auf Klangsinnlichkeit und Farbe, und Lisa Streich tastet die zarten Klangränder ab, an denen sich die Instrumente berühren (querstand VKJK 1429).
Gehört nicht zusammen? Passt aber!

Neue Zeitschrift für Musik

2_2015
Lutz Lesle

Der Seraph – jenes sechsflügelige himmlische Wesen des Alten Testaments, das Gott mit dem Ruf „Dreimalheilig“ lobpreist – lag der in Schweden aufgewachsenen Komponistin Lisa Streich im Sinn, als sie 2013 mit ihrer Tochter und einer Musik schwanger ging, die ihr Kind schützend umhüllen sollte. Der in Weimar ausgebbildeten und der klangwerkstatt weimar vielfältig verbundenen Cellistin Christina Meißner und ihrem dänischen Orgelpartner Poul Skjølstrup Larsen zugedacht, stellt das Duo Seraph hauchfeine Beziehungen zwischen den beiden so verschiedenen Instrumenten her. Zarte „hoquetusartige“ Netze spannen allmählich ihre Flügel aus, als wollten sie den Kirchenraum weit hinter sich lassen. Von den Klangfarben der „Sonnenorgel“ in der Görlitzer Peterskirche, die alle vier Werke dieser CD-Edition adelt, nutzt sie vor allem das historische, in den Orgelneubau gerettete Register Onda maris. Auch die Cellostimme ist charakterlich bis ins Feinste ausgetüftelt. Sogar die Schnelligkeit der Bogenführung, mithin den Bogendruck, hat sie penibel festgelegt.
Dem genannten Interpretenpaar ist auch das Duo Gradual Edge gewidmet, das die aus Israel stammende Komponistin Chaya Czernowin 2012 ersann. Das Stück geht auf eine Rauminstallation des indischen Bildhauers Anish Kapoor zurück: zwei mächtige, ausgehölte Halbkugeln, dunkelblau pigmentiert. Die Komposition sucht der Blickspur in die wachsende Dunkelheit der Hohlkörper zu folgen. Indem sie extreme Registerlagen bevorzugt, dunklem Orgelklang hohe Glitzermotive und „vermittelnde“ Glissando-Gesten des Cellos entgegensetzt, die sich dehnen und einander überlagern, suggeriert sie einen spiralförmigen Formverlauf.
Außermusikalisch angeregt ist auch die dialogisch gedachte Klangraum-Musik Augenblicke – Gebet der Koreanerin Younghi Pagh-Paan. 1994 bis 2011 leitete sie eine Kompositionsklasse an der Bremer Hochschule der Künste. Das gleichfalls für Cello und Orgel konzipierte Werk huldigt der religiösen Denkwelt des dänischen Philosophen Søren Kierkegaard, teilt seine unbedingte Hingabe an Gott im Gebet. Den „Augenblicken“ des Werktitels entsprechend reihen sich kontrastierende Klangmomente aneinander, die seelischen Spannungszuständen gleichkommen. Das Stück beschreibt „einen großen Bogen von Himmlisch zu Irdisch, von Anfechtung zu Frieden, von Kampf zu Demut und von Zerstreuung zu Meditation“, so die Komponistin. Christina Meißner und Poul Skjølstrup Larsen treffen den panreligiösen Geist der Musik, indem sie die Gegensätze miteinander aussöhnen.
Zur Einweihung der Görlitzer „Sonnenorgel“ komponierte René Mense, der in seiner Geburtsstadt Hamburg bei Ulrich Leyendecker studierte und vor allem mit geistlicher Vokalmusik bekannt wurde, 2006 eine Fantasie und Variationen für Violoncello und Orgel – diesmal mit dem musikalischen Hausherrn, Kantor Reinhard Seeliger, auf der Orgelbank. Der kanonisch angelegten Fantasie folgen Variationen über kein Thema, sondern das Vierton-Motiv des ersten Werkteils. Hier wie dort erweist sich Mense als gewitzter Kontrapunktiker und Formbildner.

Zeit

Geräuschtheater
Frank Hilberg

In unseren expressionssüchtigen musikalischen Zeiten, in denen so
gerne auf die Emotionsdrüse gedrückt wird (selbst in der tränenseligen
Epoche der Empfindsamkeit ging es in der Musik vergleichsweise
sachlich zu), erfüllt allein ein Titel wie Wolke und Mond den gefühlsbelästigten Zeitgenossen mit unguten Erwartungen. Besonders wenn das Stück auch noch für Akkordeon und Violoncello geschrieben ist - eine mittlerweile populär gewordene Kombination zweier Instrumente, mit denen bereits ungezählte Verbrechen im Namen der Rührseligkeit begangen wurden.

Aber Glück gehabt, die Komponistin Adriana Hölszky ist eine Frau des kräftigen Striches, Flauheit ist ihre Farbe nicht (aber Klotzigkeit darum noch lange nicht). Obwohl sie ohne Melodik auskommt und auch die Harmonik ganz zurücktritt, ist ihr Klanggefüge von großer Plastizität und bringt ein Element in die neue Musik zurück, das schon vollends ausgetrieben schien: Drive. Nicht durch Motorik, sondern durch eine ausgeklügelte Dramaturgie der Dynamik: ein Andrängen und Abschwellen, ein Stop and go auf engstem Raum.

Claudia Buder und Christina Meißner, die beiden Mitglieder des Ensembles Klangwerkstatt Weimar (Animato acd 6065, Vertrieb:www.bauerstudios.de) lassen die Tremoli prasseln und verleihen den Klängen Effet. Der Titel geht übrigens auf ein
zenbuddhistisches Koan zurück - keine Quelle, die der Sentimentalität
verdächtig ist.

Das dramatische Gespür von Hölszky, belegt durch ihre
Musiktheatererfolge, offenbart sich auch in ihrer Kammermusik. Zum
Beispiel, wenn sie zwei (oder mehr) Charaktere in immer neuen
Konstellationen einander umkreisen lässt. Dabei kommt es zu Wahlverwandtschaften und Idiosynkrasien. Segmente II für zwei Klangzentren - gespielt von Christoph Ritter und Matthias Schröder - zeigt die Symbiose eines Klaviers, das nur im Inneren gespielt wird, mit einem aus mehrdutzendfachen Holzklängen sortierten Schlagzeug. Serienweise fallen die Geräuschkaskaden (zivilisierte Geräusche, nicht die garstiglärmige Art) übereinander her, verwandeln sich perlend, schnarrend, rasselnd. Ein Dramolett der besonderen Art, das zeigt, dass nicht jedes Theater eine Bühne braucht.